Phantom

Inmediatamente después de ese gran clásico titulado "Nosferatu", y en el mismo año 1922, el maestro F.W. Murnau rodó "Phantom".

Se trata de una drama psicológico de final edificante basado en la novela del mismo titulo de Gerhardt Hauptmann, un autor hoy olvidado pero muy considerado en su tiempo, hasta el punto de aparecer inmortalizado en los primeros minutos del metraje, algo que no era raro en el cine de la época.

La película es un largo flashback en el que Lorenz Lubota, interpretado por Alfred Abel, uno de los grandes actores alemanes de la epoca de Weimar, nos cuenta desde la tranquilidad de un presente acomodado un episodio crucial de su vida anterior que estuvo a punto de dar al traste con su vida.

La historia presenta a un Lubota soñador, idealista y con pretensiones de ser un escritor. Cruzando la calle, el carruaje que conduce la hija de una familia de la parte rica dela ciudad le atropella. Al recuperar el conocimiento, Lubota queda inmediatamente enamorado de la mujer que ha estado a punto de matarle.

A partir de entonces, Lubota entra en una especie de trance muy loco en el que demolerá todas las bases de su vida anterior.

No volverá a ver a la mujer, pero continuará persiguiendo su imagen convertida en el fantasma del amor loco que siente, buscando hacer alcanzable a la inalcanzable mujer, acechado por la constante visión de su rostro y del propio e irrefrenable deseo que siente.

Lubota perderá su trabajo, se endeudará, se arruinará en una vertiginosa cuesta abajo en el que se debatirá entre la locura y el remordimiento.

Hay que decir que, aunque la historia no es especificamente fantástica, el tratamiento desenfrenado y loco de la pasión que siente Lubota la emparenta con una suerte de posesión diabólica de belleza que el protagonista sufre en el momento en que recupera la consciencia y descubre el rostro de la mujer que ha estado a punto de matarle.

A partir de entonces, Lubota no atenderá a razones y se convertirá en un enloquecido enamorado que desesperadamente busca la realización de su deseo.

En este sentido, Murnau ofrece lo mejor de su espíritu poético en las escenas oníricas que como apariciones acechan a Lubota en su deambular como desenfrenado zombie de la pasión.

Por eso, bajo la apariencia de un melodrama edificante, en "Phantom" funciona una extraña e interesante historia de posesión diabólica en el que la belleza es el principal y fantasmal agente del mal que Lubota se infringe a sí mismo.

Muy interesante.

Un millón de maneras de morir en el Oeste

Lo confieso.

No soporto esa mascara sin arrugas que es el rostro de Seth McFarlane... como si en la cuarentena ya fuese carne experimentada de cirujano plástico.

En fin.

Pero ese es el comienzo porque, entrando en más detalles, personalmente, prefiero que otros lean sus líneas de guión e interpreten sus personajes, porque como actor McFarlane es intrascendente e insustancial.

Alguien debería decírselo.

Mientras tanto, y a su mayor gloria como consecuencia de la exitosa "Ted", McFarlane protagoniza "Un millón de maneras de morir en el Oeste". En ella, utiliza los estereotipos de unos de los géneros más cinematográficos como vehículo para su humor anecdótico, sin mensajes de alto nivel, pero siempre extremo y sobre temas controvertidos no desde lo político sino desde la moral y las buenas costumbres.

Y tiene cosas buenas "Un millón de maneras de morir en el Oeste"... El rollo de que la gente no sonría en las fotos, la prostituta recatada y su amigo border line (deliciosamente interpretados por Sarah Silverman y Giovani Ribisi), el inesperado homenaje a "Regreso al futuro", el cadáver del alcalde, los padres del personaje que interpreta MacFarlane... pero cuando llega la comedia romántica las luces de MacFarlane se apagan definitivamente... y eso que anda por ahí la estupenda Charlize Theron hecha toda una Tomboy.

Ni rastro queda El talentoso escritor de joyas de la animación como "Johnny Bravo" o "El laboratorio de Dexter" o "Padre de Familia"

Supongo que se trata de las esclavitudes que inevitablemente trae consigo el éxito comercial.

Intrascendente.

The monuments men

George Clooney tiene, para mi gusto, una interesante carrera como director.

No se si por sí mismo como persona o por si mismo, como marca, rodeándose adecuadamente de empleados de la imagen y la palabra escrita, la estrella llamada George Clooney ha firmado títulos como "Confesiones de una menta maravillosa" o "Buenas noches y buena suerte".

En cualquier caso, y siendo probablemente la más ambiciosa de todas como producción, esta "The monuments men" no está a la altura de películas anteriores de Clooney.

Lo primero que hay que decir es que la historia que se nos cuenta, la de un equipo especial de expertos destinado a salvar durante la Segunda Guerra Mundial el patrimonio artístico europeo de su particular holocausto, no está cómoda dentro de un cuerpo de dos horas. Parece necesitar más tiempo para extenderse y desarrollarse, para agarrar convenientemente en el interés del espectador porque "The Monuments Men" muestra arrolladoramente un incómodo espíritu de viaje organizado.

Si hoy es Martes, esto es Bélgica.

Si estamos en el minuto veintitres del metraje, estamos en Normadía y no tenemos demasiado tiempo para detenernos en la interacción entre los personajes porque nos espera Paris, antes de la liberación.

Y el principal resultado es una superficialidad que el propio Clooney como guionista intenta resolver colocando a lo largo de la narración una serie de escenas cargadas en mayor o menor medida de emocionalidad que en un momento determinado y merced a esa alma de tour operador de historias terminan acumulándose manera incómoda, generando en el espectador avezado la sensación de querer emocionarle a toda costa antes de que el viaje termine.

Pero el resultado es el contrario.

La superficialidad se impone.

Como todo viaje turístico manda la vision bidimensional de la fotografía y no la profundidad tridimensional que supone la implicación del viajero en todos los lugares por donde pasa.

Los personajes y las relaciones que se establecen entre ellos y el objeto de su misión carecen de la suficiente entidad, de la suficiente profundidad como para que lo emocional tenga sentido verdadero.

El resultado es un album de fotos que, pese a tener una cierta unicidad de sentido, resulta deslavazado y emocionalmente inconexo.

Pareciera en definitiva que "The monuments men" es el resultado de una de esas barbaridades frankensterianas consistentes en cortar una serie de seis capítulos para convertirla en una película de dos horas.

Porque uno tiene la sensación de que faltan cosas, hilazón dramática entre situaciones, vínculos entre personajes, tiempo para desarrollar emociones que finalmente se sienten en esa escena cumbre que Clooney nos muestra como caída del cielo en su viaje turístico hacia Berlín.

No hay pausa en "The monuments men" y el resultado es que la película no termina de enganchar, de funcionar en su apelación a una emocionalidad a la que en absoluto dedica el tiempo y la atención precisa para convocarla de la manera eficaz.

Lo mejor esa mirada nostálgica de Bill Murray en una navidad en las Ardenas.

Decepcionante.

Killing them softly

Tras la interesante, y un poco irritantemente ensimismada "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", el neozelandes Andrew Dominik ha decidido saltar de las praderas del no demasiado Far West que una vez cabalgaran los hermanos James por la Nueva Orleans post-Katrina.

En sus paisajes deshabitados, como a punto de ser pintados por Edward Hopper, Dominik sitúa una historia escrita en la década de los setentas del siglo pasado en Boston por el periodista y escritor George V. Higgins.

Autor de "Los amigos de Eddie Coyle", una magnífica novela que llevó también magnificamente al cine Peter Yates, Higgins escribe "Cogan's trade", otra historia de rateros de poca monta que no nos cuenta ningún gran evento épico, algún gran atraco o un crimen perfecto, sino las esclavitudes y obligaciones de una vida complicada y difícil fuera de la ley.

En este caso, dos fracasados son reclutados por el dueño de una tintorrería para robar una timba de cartas. Parece el crimen perfecto, el golpe de su vida, pero las cosas se complicarán con la aparición de Jackie Cogan (Brad Pitt) en la ciudad.

Jackie es un asesino despiadado, pero también un buen profesional, una perfecta pieza del engranaje de una justicia que, si bien está al margen de la ley, sigue siendo tan ciega como su hermana gemela.

El poder ejecuta a través de Jackie su necesidad de ser respetado.

Y es ese mecanismo frío que Cogan ejecuta con la maestría de un virtuoso cirujano se contrapone de manera brillante con la presencia constante de la televisión anunciando a diestro y siniestro la esperanza que Obama en cierto momento representó.

En este sentido, la interminable cháchara de esperanza que envuelve como un hermoso celofán la pura mierda callejera que nos cuenta la historia se convierte en un interesante retrato metafórico de la realidad americana: buenas palabras por fuera, frío mecanismo de ejecución de intereses por dentro.

Esto me gusta mucho porque Cogan bien podría ser el hermano descarriado de uno de esos ejecutivos de Wall Street capaces de todo por una piscina mas.

Pero, y por si esto no fuera poco, aún queda la base literaria de la historia que se concreta en el tremendo talento de Higgins para definir personajes y generar diálogos precisos, llenos de sustancia que Dominik respeta con inteligencia.

Estos diálogos tan llenos de inteligencia e ironía enseguida emparentan a "Killing them softly" con ese cine de la violencia hablada que ya es marca distintiva de Quentin Tarantino quién sin duda se inspiró en otro gran autor de novela negra, en este caso de la Costa Oeste, Eduard Bunker quién incluso aparece en un pequeño papel en "Reservoir Dogs".

Y además hay grandes actores: Brad Pitt, James Gandolfini, Ray Liotta...  a los que se unen los para mí desconocidos Scott McNairi y Ben Mendehlson que dan vida a los dos rateros que originan todo el lio que Cogan debe arreglar.

El resultado es una película en blanco y negro aunque parezca que se ofrece en color.

Puro cine negro que resume su premisa en una frase que pronuncia el cínico Cogan cuando las buenas palabras y los conceptos hermosos van demasiado lejos: América no es un país, es un negocio... movido única y exclusivamente por el dinero.

Algo de cine político, y del bueno, tiene "Killing them softly".

Brillante.

Hasta el último aliento

En su necesidad de existir, puesto que para organizar su vida colectiva el ser humano tiene que dotarse de un criterio para definir el comportamiento correcto, la ética genera un espacio de tensión.

Esta tensión surge del conflicto entre las exigencias del deber ser que impone la propia ética y las exigencias del ser impuestas por ese conjunto de influencias exteriores al individuo que llamamos "realidad".

"Hasta el último aliento" se basa en una novela del escritor negrocriminal francés José Giovanni, un autor que construye casi siempre personajes que experimentan siempre esa tensión entre el ser y el deber ser.

Personajes como Gu Minda, el protagonista de la historia, que resuelven su huída hacia delante desde la propia ética convirtiéndose ésta en la única fuente de sentido y cordura que les resta, abocados como están a la fatalidad de un destino que parece estar ya escrito para ellos.

De todo modo, tanto el cine como la literatura negra francesa dotan de un profundo contenido trágico a los personajes y las historias de la novela y el cine negro americano, que quizá más enfocados a lo sociológico olvidan la profundidad psicológica que el llamado género negro francés aporta,

Desde la más radical heterodoxia, Europa, a través de Francia, lleva hasta el último extremo la sublimación del anti-héroe convirtiendo a sus personajes de novelas y películas precisamente en éso, en héroes, en personajes que al borde del abismo todavía son capaces de gobernar sobre el animal que llevan dentro y tomar decisiones morales que priman la lógica del deber ser sobre la lógica del ser.

Y mostrando, por supuesto, el carácter destructivo que este comportamiento tiene porque siempre la destrucción de quién decide es la consecución necesaria de la adopción de semejante opción.

Como si en el fondo latiese algo que no estuviera del todo bien y la aparente resolución del problema de orden público que supone la detención o muerte del héroe criminal nos dejase insatisfechos, abocándonos a preguntas que interpelan al delito y convierten a ese delincuente, capaz de lo mejor, en una víctima de un mal funcionamiento social.

Y es entonces cuando desde lo psicológico se accede de nuevo a lo sociológico, a esa relación directa entre el delito y la injusticia del orden social.

El delito convertido en una manera de expresar un conflicto social, la existencia de contradicciones que se manifiestan en la incapacidad de hacer partícipes de la sociedad misma, tanto en lo material como en lo espiritual, a todos los miembros de esa sociedad.

No hay delito en las utopías.

En 1966, Jean Pierre Melville adaptó la novela de Giovanni con su habitual talento y en este sentido "Hasta el último aliento" es, para mi gusto, una de sus mejores películas.

A través de hermosas imágenes transparentes llenas de dureza, Melville nos cuenta el viaje a ninguna parte de Gu Minda, encarnado fantásticamente por el estólido Lino Ventura, Escapado de la cárcel y arruinado, Minda buscará una salida al cerco que se cierra sobre él, salida que sólo es posible tras un último atraco que le obligará a exponerse aún más.

Melville y Giovanni son dos maestros del lado oscuro.

La realidad es menos complicada si se piensa que los terroristas son unos asesinos irracionales y los criminales no siguen ningún código.

Obra maestra.



Interesantes entrevistas en el rodaje:

AK

En 1985, mientras el maestro Akira Kurosawa rodaba "Ran", uno de los grandes títulos de su filmografía llena de grandes títulos, el documentalista y activista francés Chris Marker rodó este documental.

A sugerencia de Serge Silberman, uno de los productores de la película, Marker se desplazó a las estribaciones del Monte Fuji donde Kurosawa rodaba una de las secuencias más espectaculares de su película: el traidor asalto que los ejércitos de algunos de los hijos llevan a cabo contra la fortaleza del padre, Lord Hidetora.

Allí, Marker tiene la ocasión de captar el espíritu de un rodaje tan complejo como el de "Ran", la producción más cara y espectacular del cine japonés hasta aquel entonces.

El documental se estructura en torno a una serie de palabras (caballo, lluvia...) que expresan conceptos que, a su vez, buscan ofrecer una visión esencial del propio Kurosawa y tengo que decir que no estoy demasiado conforme con el resultado. Entre otras cosas porque queda fuera ese tremendo pesimismo existencialista tan en línea con el pensamiento naturalista europeo, que era tan propio de Kurosawa y del que la propia "Ran" es un magnífico y gran ejemplo.

No obstante, la visión del documental me resulta gratificante por todo lo que rodea a ese propósito esencial de Marker.

Puedo ver a ese Kurosawa tan detallista, siempre rodando en una sola toma con varias cámaras, planificando hasta el agotamiento con actores y técnicos cada una de esas tomas, moviéndose como un general por entre su tropa, ordenando o pidiendo, pero siempre apareciendo absorto y perdido seguramente en la idea de la toma que ya tenía en su cabeza y que pretendía llevar a la realidad en la mayor medida de lo posible.

El misterio del creador conjugando otro misterio, el de la propia creación.

La concentración máxima para generar un mundo.

Y como siempre ese talento de Marker para ver, encuadrar y generar imágenes que son todo menos nimias variantes clonadas de otras imágenes ya vistas.

Por no hablar de la espectacular banda sonora que ese otro genio llamado Toru Takemitsu compuso para el documental. El propio Takemitsu protagoniza uno de los mejores momentos del documental: paseando oscuro y sombrio, en la niebla, alrededor del fantasmal castillo, buscando inspiración.

Interesante.

“Mientras Grecia y otros países enfrentan la crisis, la medicina en boga consiste simplemente en viejas medidas de austeridad y privatización, que simplemente dejarán más pobres y vulnerables a los países que las adopten. Este remedio fracasó en el Este de Asia, América Latina y en otros lugares, y fracasará también esta vez en Europa. De hecho ya ha fracasado en Irlanda, Letonia y Grecia.
Hay una alternativa: una estrategia de crecimiento económico apoyada por la Unión Europea y el Fondo Monetario Internacional… El crecimiento por sí mismo aumenta los ingresos por impuestos y reduce la necesidad de gastos sociales, como pueden ser las prestaciones de desempleo. Además la confianza que esto engendra conduce aún a más crecimiento.
Lamentablemente, los mercados financieros y los economistas de derecha han entendido el problema exactamente al revés: ellos creen que la austeridad produce confianza, y que la confianza produce crecimiento. Pero la austeridad socava el crecimiento, empeorando la situación fiscal del gobierno, o al menos produciendo menos mejoras que las prometidas por los promotores de la austeridad. En ambos casos, se socava la confianza y una espiral descendente se pone en marcha.”
(La crisis ideológica del capitalismo occidental, Joseph Stiglitz)

August: Osage County

La verdad es que no me ha interesado demasiado "August".

Este drama familiar con el medio oeste como fondo no termina de ofrecerme una visión diferencial de la consabida disección de un concreto y disfuncional avatar de la sagrada institución familiar. Y quizá sabiendo esa falta de originalidad en el enfoque, Tracy Letts la autora y guionista opta por el volumen, por la acumulación de drama por pixel de imagen en un desesperado intento de buscar el cambio cualitativo desde la acumulación.

La desaparición de Beverly, el patriarca de la familia Weston, fugazmente interpretado por el genial Sam Shepard, convertirá a su mujer, Violet, interpretada com mucho talento por la siempre estupenda Meryl Streep, en la espoleta que hará detonar a la familia como si se tratase de una bomba.

Pero la obra ventila los mismos trapos sucios de casi siempre pareciendo incómodamente el clon de algo que ya hemos visto antes, un algo además desarrollado seguramente con mucho más talento para la captación del horror que puede llegar esconder el ser humano en esa convivencia forzada por la sangre que llamamos familia.

Todo me resulta demasiado previsible en "August" pese a que el magnífico reparto que encabeza Streep acompañada de actores tan interesantes como Chris Cooper, Ewan Mc Gregor Juliette Lewis o Margo Martindale hace un gran esfuerzo por hacer especial la misma historia de siempre.

En cuanto a Julia Roberts, quizá empalidecida al contacto de buenos actores, sin estar mal no consigue imprimir al personaje el necesario carisma que la narración demanda de él, resultando en ocasiones demasiado fría y distante frente a una Meryl Streep que la devora implacablemente.

Al final, queda la reflexión de que el "Salvame Deluxe" tiene muchas caras y una de ellas es esta "August" que opta por el sensacionalismo desde la nimiedad de su propuesta.

El cine plano de efectos especiales empieza a encontrar su homólogo en estos dramas de emociones tan especiales que todos los años completan la cuota de ese cine de calidad que con grandes actores pretende abordar un gran tema a la búsqueda de algún premio... porque, ya se sabe, los premios se dan por los temas serios.

Lo mejor: el show de Meryl Streep.

Decepcionante.

Al final....

Al final, constantemente, todos los días, hay gente haciendo negocios y ganando dinero.
Y la democracia es posible mientras no interrumpa o dificulte esta fundamental labor de hacer negocios y ganar dinero... o mientras forme parte de ella como libertad para decidir qué comprar.
El más abyecto de los mundos se oculta tras la hermosa pantalla de la libertad que no es más que un fantasma cuya presencia se invoca cuando es necesaria

Rififi

Jules Dassin pudo haber sido uno de los grandes directores del cine norteamericano, pero su pertenencia al Partido Comunista durante el macartismo hizo de él un apátrida que termino sus días no hace demasiado tiempo, en el año 2008 y en Atenas, a los 96 años de edad como viudo de ese prodigio de la naturaleza llamado Melina Mercuri.

Tampoco está nada mal.

Tras dirigir cuatro películas extraordinarias: Fuerza bruta (1947), La ciudad desnuda (1948), "Mercado de ladrones" (1949) y "Noche en la ciudad" (1950), Dassin no pudo regresar a los Estados Unidos convirtiéndose en uno de los perseguidos por el macartismo.

En esas cuatro películas Dassin acuñó una manera muy realista de contar historias, rodando en la calle siempre que podía y haciendo que individuos normales y corrientes protagonizasen unas historias asperas en las que lo que se necesitaba y lo que de verdad se quería siempre eran cosas distintas... Su cine no era político estrictamente hablando, pero seguramente lo era de manera indirecta, mostrando entre las líneas y grises de sus historias de cine negro la realidad injusta y desigual de unos Estados Unidos convertidos en el territorio donde cada día se representaba la ciega tragedia del capitalismo.

En cualquier caso, y tras cinco difíciles años de vagabundeo por Europa, "Rififi" es la primera de sus obras europeas.

Basada en un libro del mismo nombre, en "Rififi" se dan cita la tradición francesa del cine policiaco portada por el escritor Auguste le Breton, con la tradición norteamericana del cine negro que Dassin trae consigo.

En este sentido, y si uno ve cualquiera de las cuatro películas que Dassin rodó antes de su exilio y luego ve "Rififi" descubrirá que solo cambia la ciudad, Paris por Nueva York, porque el estilo realista, vibrante y directo de Dassin está ahí, poderoso e intacto en su inmensa capacidad para la expresión de emociones a través de las imágenes.

Ahora, esa ciudad desnuda es Paris y bajo su piel de asfalto la cámara de Dassin nos muestra el esfuerzo por la supervivencia de los que viven una vida difícil, al margen de la ley.

Y uno de ellos es Toni "Le Stephanois", maravillosamente encarnado por Jean Servais.

Recién salido de la cárcel, Toni intenta buscarse la vida y en su camino se cruzarán la ex que le abandonó y la posibilidad de robar una joyería.

Rodada sin música, la secuencia del robo de la joyería, es uno de los puntos atractivos fundamentales de "Rififi". En un alarde de genialidad, Dassin decidió prescindir de la música que Georges Auric compuso habiendo visto la secuencia con el propio sonido incidental que acompaña el atraco.

Extraordinario!

Pero yo me quedo con ese maravilloso final, muy similar al de otra obra maestra llamada "La jungla de asfalto", en el que Toni, perseguido por la muerte, consigue ganar el tiempo suficiente como para ganar una batalla importante en una guerra que ya estaba perdida de antemano.

Dura y sin concesiones, "Rififi" es una obra inolvidable maestra..

Derribo

Siempre les pasan "cosas" a los enemigos de los Estados Unidos...

Sea verdad o mentira, el daño de imagen pública ya está hecho.

Por si la opinión pública le quedaba alguna duda de quienes son los malos en esta historia ucraniana... Por si no había tenido suficiente con las imágenes de la toma del parlamento en Kiev.... Ahora, con un par de días de antelación y sin la menor duda, se ponen los cadáveres de doscientos inocentes más sobre la mesa...

Por lo visto, el ejército ucraniano no tiene lanza misiles tierra-aire y no hay fotos de esos lanzamisiles el mismo día corriendo por alguna carretera ucraniana...

Y por supuesto, si han sido los prorrusos no se trata de un desafortunado error: es sin lugar a dudas un asesinato frío y calculado que justificará la adopción de cualquier medida para protegernos del perverso mal que representan.

Palestinos y rusos, sin duda, matan... Las victimas de los israelíes y ucranianos simplemente mueren.

La mayor ileza de nuestros enemigos pone en valor de manera proporcional la justicia de nuestra causa.

El verdadero padre de la propaganda

El verdadero creador de la propaganda fue un señor llamado Eduard Bernays, sobrino de Sigmund Freud, que durante la década de los veintes del siglo pasado utilizó el paradigma de su tío para ayudar a vender productos en el capitalismo de consumo incipiente.

Del trabajo de Bernays surge todo el entramado conceptual que tiene que ver con las relaciones públicas, la publicidad y la comunicación.

Fueron trabajos de Bernays, por ejemplo,  ayudar a hacer aceptable a la opinión pública norteamericana la participación del país en la Primera Guerra Mundial o conseguir hacer que fuera socialmente aceptable el que las mujeres fumaran.

Bernays no sólo se dedicó a persuadir para vender sino también aplicó sus talentos sentando las primeras bases de la comunicación política ayudando en la década de los cincuentas a políticos como Eisenhower a alcanzar el poder.

Fue en esta vertiente donde Bernays ganó una fortuna que le permitió llegar a ser centenario en la opulencia.

El término propaganda forma parte principal de uno de sus libros publicados en 1928 que se titula precisamente "Propaganda", pero lo interesante es el subtitulo: The public mind in the making. Traduciendo libremente: construyendo la opinión pública.

Gracias a Bernays, la manipulación inteligente de las masas forma parte del funcionamiento de las sociedades democráticas desde hace casi cien años y en este sentido Goebbels sólo fue un alumno aventajado que tuvo la oportunidad de llevar al extremo las ideas de Bernays.

Considerando este dato, decir que la propaganda tiene un origen en los regímenes totalitarios sólo puede deberse a la ignorancia o a la mala intención. Es el capitalismo quién crea la propaganda para en las esferas de lo económico y de lo político poder manipular a la opinión pública en el sentido de vender o de votar.

Los mecanismos de la propaganda son los mismos en las democracias que en los regímenes totalitarios, ambos se valen de sus artes persiguiendo el mismo final.

Una vez más el capitalismo se esconde detrás de los totalitarismos disimulando su culpa y presentándose como el mejor de los inocentes.

PPdemos

La política hace extraños compañeros de cama, dijo el político británico Winston Churchill quién llegó a compartir cama con el soviético Stalin en las conferencias políticas que surgieron alrededor de la II Guerra Mundial.

Ahora, el PP plantea en opinión pública una extraña relación de cama con Podemos que básicamente consiste en decir que nunca se acostaría con él.

En realidad, también hay sexo ahí... metafóricamente hablando.

En realidad, está poniendo en valor a Podemos en dos direcciones: la de sus propios votantes y la de los votantes naturales de Podemos.

Pablo Iglesias siempre declaró que la intención de Podemos es global, como un movimiento ciudadano que abandera el descontento general con el sistema de una sociedad de desigualdad decreciente. En este sentido, el Partido Popular busca preservar su caladero de votos definiendo un perfil de podemos centrado en la incontestable procedencia extremo izquierdista de sus bases. Así, cuanto más a la derecha esté el posible votante más probabilidades habrá que se piense varias veces su voto en el contexto de su descontento.

Por otro lado, al Pàrtido Popular la beneficia una izquierda fragmentada, sobre todo en los votos que el PSOE puede perder por la izquierda debilitando aún más una situación de evidente debilidad y complicando su recuperación. En planteamientos de pura aritmética electoral, y en un contexto propio de perdida de votos. el que su principal contrincante no se recupere lo suficiente es el principal objetivo a conseguir.

La oportunidad existe y hay que aprovecharla, precisamente la política es éso.

Se trata de conseguir por cualquier medio una mayor distancia en voto respecto al segundo, distancia que siempre se traducirá en más diputados en el parlamento y una posibilidad más clara de gobernar como lista más votada.

Ahora mismo este es el escenario más probable frente a otro en el que la izquierda fragmentada consiga superar en votos al Partido Popular, una izquierda en la que su partido más importante tendría una incómoda posición para entenderse con una fuerza como Podemos e incluso con Izquierda Unida por su pasado institucional de gobierno.

Y en este escenario más probable hay una hoja de ruta en la que la primera fase es poner en valor a Podemos desde la crítica en medios y en la segunda será descalificar al ganador de las primarias en el PSOE, que será alguien sin experiencia y sobre el que será fácil construir un discurso basado en el miedo hacia los votantes conservadores: necesitamos experiencia y no experimentos.

A todo ésto hay que añadir una buena narrativa construida sobre la economía: algún resultado bueno, alguna interpretación positiva más o menos retorcida de algún resultado no tan bueno y unas cuantas mentiras y los periodistas adeptos harán el resto.

Entre locos peligrosos y jóvenes sin experiencia, sólo quedaría la solidez plasmática del PP como resto.

La posición del Partido Popular es buena.

Clama a quién quiera escucharle que no quiere follarse a Podemos, pero aquellos que nunca se acostarían con el PP definitivamente podrían intentar acostarse con Podemos vista la recomendación inversa que sus políticos están haciendo.

Y los que nunca se acostarían con Podemos pero se lo piensan ante la falta de sexo en su vida diaria definitivamente dejarán de hacerlo al comprobar que Podemos, sin condón, se acuesta con parejas con las que jamás pensarían hacerlo.

La campaña electoral ha empezado en serio.

Y pueden poder.

Israel y la utopía

Para tener una visión de la situación en que se encuentra el estado de Israel, siempre recomiendo la visión de "The gatekeepers".

Dirigido en 2012 por el israelí Dror Moreh, el documental repasa la historia del Shin Bet, el servicio de inteligencia y seguridad interna cuyo equivalente a nivel exterior es el Mossad.

Lo interesante del documental es que el repaso de esa historia es un repaso de la propia historia de Israel que se lleva a cabo a través del punto de vista de los últimos seis responsables del propio Shin Bet.

Y es interesante porque el resultado de la historia es la total y completa desmoralización de aquellos que en su momento fueron los responsables de ejercer la fuerza contra los enemigos interiores del estado. Porque fue y es el Shin Best el responsable de las intervenciones en Gaza y Cisjordania contra altos responsables de las diferentes organizaciones palestinas.

El diálogo no es una opción para estos responsables de la inteligencia interna, muchos de ellos responsables en su momento de actos de dudosa legalidad internacional. El dialogo es una necesidad reclamada por aquellos que desde las cloacas del estado de Israel han defendido sus intereses desde lo civil y desde lo militar.

La construcción del estado de Israel desde una posición de fuerza es inviable a medio y largo plazo.... y no es que lo digan los peligrosos comunistas, lo dicen los principales ejecutores de esa posición de fuerza.

Uno de las principales enfermedades de nuestro tiempo es que el neoliberalismo pase por realista frente a las utopías izquierdistas porque no hay nada más utópico que la sociedad que pretenden los arquitectos del neoliberalismo.

Parte de esa utopía es pensar que se puede controlar una población de siete millones de personas en explosión demográfica por la fuerza.

Those who kill

Lo peor de esta serie producida para la televisión por cable es la sensación de "ya haber estado antes en esta secuencia" que no me ha dejado tranquilo a lo largo y a lo ancho de sus diez capítulos.

Protagonistas conflictuados, psicólogos casi desequilibrados capaces de hacer perfiles deslumbrantes de la escena de un crimen, psicópatas complejos y barrocos... Nada nuevo bajo el sol de cualquier novela de Thomas Harris.

Simplemente y amparados en el concepto económico de la oportunidad dentro de la dinámica del coste marginal, los guionistas de "Those who kill" se han lanzado a escribir esta serie con la esperanza y el convencimiento de que las tragaderas del público para esta clase de asuntos no estén agotadas.

En cualquier caso, no es nada fácil contar la misma historia de manera que resulte interesante a quién ya la ha escuchado antes y los responsables de "Those who kill" dan buena prueba de ello.

Seguramente es tan difícil como ser verdaderamente original.

En general y como ya he escrito, la previsibilidad está presente de una manera incómoda y recurrente a lo largo de los diez capítulos de esta serie que no consigue disimular ser el frankenstein narrativo que es. Sólo los esfuerzos de un interesante reparto encabezado por la estupenda Chloe Sevigny, en otro tiempo musa del cine independiente norteamericano, consiguen arrancar un cierto interés a la historia.

La serie parece no haber sido concebida en un despacho sino en un quirófano donde, y en la mejor línea de Hannibal Lecter, líneas narrativas han sido arrancadas de otras historias para coser la una a la otra buscando una entidad corpórea sobre la base del grado más bajo de la innovación.

Incluso el cliffhanger resulta rutinario, generándome una suerte de, como decirlo, curiosidad administrativa. Me explico: si tres personas se meten armadas en una casa y suena un disparo, me pregunto inevitablemente quién será el muerto, pero sólo por unos instantes, sin demasiado interés del verdadero, ese que te hace decir "joder, no me dejéis así".

El resultado final es que podría no saber nunca lo que ha sucedido dentro de esa casa y cada vez que algo me recuerde a la serie seguir viviendo, sin necesariamente ponerme a buscar si hay o va a haber segunda temporada.

Es más: ni siquiera me he detenido un minuto a pensar una hipótesis.

"Those who kill" tiene un punto blando, asténico, casi helado, el pulso que suelen tener las copias carentes del impulso esencial que las haría únicas e irrepetibles.

Phillip K. Dick que es mucho mejor escritor que yo hablaría seguramente del obvio aliento de los clones o algo así.

Para su desgracia y en lo que a mi respecta ya existe "Hannibal".

Pensar

No hay debate que genere nuevas ideas si no se hace desde la percepción de que lo que hay no nos sirve... y esa percepción puede empezar siendo ser una simple incomodidad, una pequeña reverberación que trastoca la proyección tridimensional de la realidad en la que nos encontramos inmersos.

No hay debate sin inquietud y para tener esa inquietud, hay que tener un punto de vista, una pensamiento que nos permita juzgar, valorar lo que se presenta como incontestablemente real ante nuestros ojos.

Por eso pensar es tan importante.

El pensar tiene mala prensa porque genera individuos susceptibles de tener diferentes puntos de vista, no necesariamente coincidentes con los del poder. No es otra cosa que una herramienta virtual, la más importante de todas las herramientas, la que nos ayuda a procesar una realidad objetiva que sin ella, y como dice Kant, se nos presentaría como un masivo y brutal tsunami de estimulos sensoriales que terminaría por sepultarnos en la parálisis.

Es un instrumento y como tal puede usarse bien o mal.

No tienes necesariamente que convertirte en un sanguinario soviético o en un despiadado ejecutivo de Wall Street como nos quieren presentar desde el totalitario pensamiento unico de estos regímenes totalitarios difusos que llamamos democracias.

Todos los caminos del pensar no llevan a ETA.

Puedes convertirte en un Vicente Ferrer o en algo peor (desde su punto de vista): alguien que puede llegar a ver esta libertad de la que tan orgullosos estamos mientras nos tomamos una pastilla para dormir como una máscara que oculta la espantosa efigie de ese monstruo que sólo quiere de nosotros que, sin pensar, en días de diario, estemos puntuales en nuestro puesto de trabajo y los fines de semana estemos sin falta a las diez de la mañana a las puertas del centro comercial.

Y, aunque esté equivocado y quizá sea mejor ser ese funcionario de la realidad que quieren hacer de nosotros, creo que la vida se pasa más entretenida y rápido teniendo un punto de vista y un pensar.

El cuarto mandamiento

Dirigida en 1942, "El cuarto mandamiento" es el siguiente título que el genial y siempre controvertido Orson Welles dirigió tras "Ciudadano Kane", su arrolladora y magnífica aparición en la historia del cine.

"El cuarto mandamiento" también es el inicio de la caída en el malditismo de Welles quién con todo a su favor ya tuvo que ver cómo su versión de 131 minutos era cortada a una de 88 con la reescritura y rodaje por parte de la RKO de una escena final mucho más soportable que la que Welles había rodado.

Y si bien se nota que la versión de 88 minutos es unja ajustada y precisa condensación de la propuesta inicial de Welles, la película destila todo el talento que el director norteamericano tenía para contar historias con imágenes.

Si en "Ciudadano Kane" Welles contó con la sabiduría para fotografiar de Gregg Toland, algunos le llegan a considerar co-autor, en "El cuarto mandamiento" la responsabilidad de producir las imágenes recae sobre Stanley Cortez, otro grande de la fotografía con trabajos tan brillantes como "La noche del cazador".

Pero además está la voz en off de Welles narrando, el innovador y dinámico uso de las gruas y las dollys y, por encima de todo, la capacidad de Welles para manejar la profundidad de campo para componer planos de poderoso efecto dramático, que casi siempre hablan por sí solos.

La película se basa en una novela de Booth Tarkington, olvidado escritor de principios de siglo XX que ganó el premio Pulitzer en 1919 con este texto que el propio Welles adaptó para la radio con su Mercury Theatre.

La historia combina el melodrama romántico con la historia de dos familias que representan el ascenso y la decadencia dentro del poder económico: los Ambersons simbolizan el poder de una aristocracia basada en la tierra que entran en decadencia al mismo tiempo que crece el poder industrial de la familia Morgan centrado en la producción de automóviles.

Esto constituye el texto dentro del que sucede la historia de amor imposible entre Eugene Morgan (Joseph Cotten) e Isabel Amberson (Dolores Costello), primero Eugene es demasiado pobre y luego ya es demasiado tarde con la presencia de George (Tim Holt), el orgulloso y caprichoso hijo de Dolares que encarna lo peor de la decadencia de los Amberson.

Welles en estado puro y una buena historia.

Imprescindible.

Hannah Arendt

Tras ser secuestrado por agentes del gobierno de Israel en Argentina, el 10 de abril de 1961 comenzó en Jerusalén el juicio contra Adolf Eichmann.

Miembro de las SS hitlerianas, Eichmann fue el principal responsable de que se llevara a cabo la solución final destinada a terminar de manera organizada con los judíos en los territorios ocupados por la Alemania nazi.

Desde su posición, Eichmann se encargó de organizar toda la parte material del envío de los judíos a los diferentes campos de concentración y desde esta posición se presentó en el juicio ante los ojos del mundo y especialmente ante los ojos de Hannah Arendt quién, habiendo convertido el entendimiento del totalitarismo en un elemento esencial de su obra, no podía perder la ocasión de asistir a aquel juicio.

De la experiencia de Arendt en aquel juicio, de su entendimiento de la posición de Eichmann pero también de la gestión que hizo el estado de Israel del propio juicio, surgió su libro "Eichmann en Jerusalén", un pasmoso y clarividente ensayo que, a mi entender y desde su total e incomprendida heterodoxia, es uno de los grandes libros de pensamiento del pasado Siglo XX.

En "Eichmann en Jerusalén", Arendt desarrolla su concepto de la banalidad del mal a partir de la presencia de un Eichmann que se presenta ante sus juzgadores como un eficaz funcionario que simplemente se limitaba a obedecer ordenes.

La banalidad del mal está precisamente en la suspensión que Eichmann hace de su capacidad de pensar, de juzgar las tareas que se le piden desde un punto de vista moral y de la sumisión del individuo, desde la obediencia más ciega, al mecanismo de un sistema cuya palabra es la ley y que convierte a los individuos en ciegas piezas de una maquinaria.

Para Arendt, la banalidad del mal es el lado oscuro y extremo de ese hombre organizacional, unidimensional del que habla Marcuse en su libro de 1954 como modo de ser propio de las sociedades industriales avanzadas y que Ernest Jünger glosó en "El Trabajador", su obra emblemática y fundamental.

Eichmann se muestra como lo que es: un eficaz funcionario que cumple de manera eficiente con lo que se le ordena, sin detenerse a pensar la bondad y la maldad de su tarea.

Y lo perverso del planteamiento extremadamente incómodo que Arendt pone sobre la mesa es que Eichmann no es otra cosa que el perfecto instrumento para que una política lleve a cabo sus propósitos utilizando la estructura de poder de un estado.

Eichmann no es un carismático y sanguinario malvado al que insertar en un relato del bien enfrentándose al mal sino un probo funcionario que no puede entender por qué se le juzga por haber hecho bien su trabajo.

De manera tácita, Arendt pone sobre la mesa la necesidad de la desobediencia civil contra los dictados de un estado. Frente al inmenso acto de valor que supone el hecho de que un individuo aislado se niegue a obedecer los dictados de una organización política, Arendt antepone la banalidad de los ciudadanos que, como Eichmann, simplemente se limitan a obedecer lo que se les manda sin plantearse si es algo bueno o malo.

No hay que ser nada especial para ser un monstruo, simplemente basta con hacer lo que todo el mundo hace: obedecer la ley.

En este sentido, el discurso de Hannah Arendt se vuelve inoportuno y peligroso porque todo estado busca ciudadanos que ciegamente le obedezcan. Y con independencia de la moralidad que implican sus actos, son héroes si su causa prevalece y villanos, como Eichmann, si su causa es derrotada.

Dirigida por Margarethe von Trotta, "Hannah Arendt" es una sorprendente película que lleva al cine una obra de pensamiento para construir un monumento en torno a la valentía intelectual de la mujer cuyo nombre la da título.

Un mensaje, por cierto, muy a contracorriente porque quizá una de las consecuencias de la II Guerra Mundial, del análisis frío y desinteresado del comportamiento de tipos como Eichmann, debiera haber sido la creación de mecanismos que garantizasen la objeción de conciencia frente a los dictados del estado. Pero semejante planteamiento es un imposible porque un estado, sea totalitario o democrático, siempre es un estado.

Al final, Eichmann no tenía necesariamente que ser anti-semita cumpliendo ciegamente los dictados de un estado anti-semita.

Lo que seguro fue es un probo y eficiente funcionario.

De visión obligatoria.

The spoils of babylon

Cuando era un chaval y la Real Sociedad ganaba la liga de fútbol eran las series de dos rombos.

Se emitían por la única televisión posible, la española, que cuando emitía lo hacía de verdad y solían programarse a las diez de la noche los lunes, como para empezar la semana con fuerza.

Eran series como "Hombre rico, Hombre Pobre", "Capitanes y Reyes" o "Flamingo Road", grandes relatos televisivos que pretendían trascender, hacia la calidad, las tradicionales "soap opera", la versión norteamericana de los folletines latinoamericanos de toda la vida.

En ellas, sus personajes se debatían entre el deseo y el exceso, buscando forjarse un camino de ambición en un mundo en el que el infierno siempre terminaban siendo los otros.

Sexo, ambición, poder, dinero, lujuria... sus temas siempre procedían de hábiles escritores comerciales como Harold Robbins, Jacqueline Susan, Sidney Sheldon o Irving Wallace.

"The Spoils of Babylon" parodia con bastante gracia todo ese género que contó con gran predicamento popular en las sociedades capitalistas occidentales en las década de los setentas y principios de los ochentas del siglo pasado.

El yo deseante, en constante búsqueda de sí mismo y del dinero necesario para realizarse, pasó de ser un caso de diván de psiquiatra a convertirse en todo un icono cultural y aspiracional que oportunamente proporcionaba un soporte ideológico a un modo de hacer, y sobre todo de sentir las cosas: el del capitalismo de consumo.

La moralidad ya no es una solución, se convierte en como mínimo un handicap siendo casi siempre un problema que convierte a las personas en vulnerables.

Las bajas pasiones como espectáculo.

De aquellos polvos, vienen estos lodos.

Un Eric Jonrosh (Will Ferell) que recuerda al genial y orondo Orson Welles en el final de su vida presenta a su público "The Spoils of Babylon".

Se trata de una serie maldita que está basada en un bestseller del mismo nombre que el propio Jonrosh escribió.

La historia es larga.

Primero Jonrosh quiso llevarla al cine y el resultado fue una película de 24 horas de duración que el propio Jonrosh, incomprensiblemente, no pudo estrenar. Posteriormente y en la ruina más absoluta, el propio Jonrosh decide hacer una adaptación para la televisión reduciendo la película a seis capítulos de media hora de duración.

La serie nos cuenta el amor imposible de Cynthia Morehouse (Kristen Wiig) y su hermanastro Devon (Tobey Maguire), desde la pobreza hasta la riqueza y con el petróleo como fondo.

El resultado es atractivo moviéndose entre la bufonada y la parodia inteligente... y es lo suficientemente corto como para que no de tiempo al espectador a ir mas allá haciéndose preguntas de mayor enjundia.

Entretenido.

Ser o estar

Es evidente que Podemos nace de las catacumbas de la extrema izquierda con todo lo que ello implica de posicionamiento político con respecto, por ejemplo, a las realidades independentistas que existen en algunas autonomías españolas o a los también reales triunfos de la izquierda en América Latina.

Es también no menos evidente que la irrupción de Podemos en el inmovilista panorama político del régimen constitucional del 78 ha supuesto como mínimo un factor de inquietud entre las filas de la política ortodoxa.

Y ya parece claro que nuestra casta política y sus terminales mediáticas van a utilizar como armas de opinión pública los posicionamientos extremos que forman parte del ADN político de los miembros de Podemos.

En este mundo de listos que ellos mismos han creado, sería de tontos si no lo hicieran.

Y lo hacen con Venezuela, que ya es de facto una dictadura en la opinión pública de nuestro país, y lo hacen también con el posicionamiento heterodoxo de los miembros de Podemos con respecto al movimiento abertzale vasco que, ante la falta de asesinatos por parte de la verdadera ETA, han sido asimilados de manera sumaria con los ausentes que apretaban el gatillo.

Así, en este país, coincidir en algún planteamiento político o sociológico con un abertzale es ser un terrorista. Si coincides con Otegui en que mañana lloverá date por muerto.

Y por supuesto que no se nos olvide: Méjico y Colombia son democracias avanzadas.

En este sentido, el régimen constitucional del 78, incapaz de gestionar el problema de las minorías independentista desde una visión de España heredada desde el mismo Caudillo se cierra las puertas de cualquier evolución, pero, y al mismo tiempo, señala también los límites de su patética impotencia para entender todo lo que va más allá de su ombligo.

Porque, al final, y tal como concluía aquella lógicamente denostada película de Julio Medem llamada "La pelota vasca", el sistema se niega a reconocer la realidad de un número determinado de personas que se despiertan no sintiéndose españoles... y ante esa disyuntiva, el régimen del 78 reacciona llamándoles etarras.

Como ya he escrito más de una vez, pasarán diez y quince años y algunos seguirán diciendo que ETA mata en Presente de Indicativo.

Pero esa es otra historia, otra disyuntiva que habla de una incapacidad y de una limitación.

La disyuntiva que me interesa es la de Podemos porque debe formar parte de su nueva forma de hacer política el afirmar taxativamente que Venezuela no es una dictadura y que defender políticamente planteamientos independentistas no es ser un terrorista.

Afirmar un punto de vista y no pretender alcanzar ese centro político que es el basurero de la política porque allí anida la indeterminación y la necesidad de defender una cosa y su contraria que tanto daño a hecho a la política.

La nueva política debe dejar la responsabilidad al elector de decidir entre opciones que no se muestran absolutas e inequívocas sino que se presentan limitadas e imperfectas.

Debe ser el elector quién decida si cenar con abertzales es ser un terrorista.

La nueva política no debe aspirar a salvar a la gente en contra de su voluntad.

Si una opción de la nueva política como Podemos no consigue el respaldo del electorado mostrándose tal y como es, en sus contradicciones, debe marcharse a casa en lugar de quedarse e intentar arrebatar al contrario medio acre de votos con silencios y medias verdades.

La soberanía reside en el pueblo español también a ese nivel.

La nueva política es ser, no estar.