Mephisto

Dirigida en 1981 por el hungaro Istvan Tsabo, "Mephisto" se basa en la novela homónima publicada en 1936 por Klaus Mann.

Hijo de Thomas Mann, una de las grandes glorias de la literatura alemana de principios del siglo XX, Klaus también se dedicó a la escritura siendo además uno de los más destacados intelectuales alemanes que se opusieron al nazismo desde el exilio.

Su novela "Mephisto" se inscribe en este contexto y es fundamentalmente una crítica bastante afilada, incluso satírica, hacia la cultura alemana que prefirió quedarse en Alemania a lidiar con el nazismo.

Su protagonista. Hendrik Hoftgen, es un actor con talento que encuentra en el ascenso del nazismo una magnifica oportunidad para desarrollar lo único que le preocupa: su vocación como actor.

Todo lo demás es secundario.

Unas veces engañándose a sí mismo, otras veces engañando a los demás, Hoeftgen se las arregla para maniatar su conciencia desarrollando un discurso individualista de realización personal que se aleja de cualquier planteamiento político y social.

Sobrestima el valor y la influencia que la excelencia de su trabajo tiene sobre los jerarcas nazis.

Victima de sí mismo, Hoeftgen sobrevalora su posición hasta el punto de no darse cuenta de que no es más que un títere al servicio del poder.

En la novela de Klaus Mann subyace una profunda crítica al mundo de la cultura de la República de Weimar, incapaz de ver el peligro nazi perdido como estaba en un laberinto narcisista y autocomplaciente en el que lo cultural es una realidad auto-suficiente, perfecta excusa para un sobredimensionado desarrollo del individualismo.

Hoeftgen es la expresión simbólica de todo ese mundo cultural que, en opinión de Mann, dió soporte de legitimidad al nazismo, pensando que podría manejar a quienes en realidad les estaban utilizando a ellos.

El cineasta húngaro Istvan Tsabó pone en imágenes el texto de Mann y es lo suficientemente inteligente como para no estropearlo haciendo de "Mephisto" una película más que estimable que describe de manera muy transparente los rincones más oscuros de la mente del arribista, siempre escondiendo las vergüenzas y flaquezas bajo el dorado manto de la gran misión de realización del artista, su gran responsabilidad de realizarse sin importar demasiado el dónde y el cómo.

Como escribo una película más que estimable que se las arregla para salir adelante pese al gran lastre de la presencia del insoportable y excesivo hasta la histeria actor austriaco Klaus Maria Brandauer.

"Mephisto" da que pensar.

Leviathan

El leviatán es una criatura mítica marina que aparece en la Biblia para simbolizar el arrasador poder y la fuerza bruta del mal.

A propósito de este tema he encontrado en la red unos versículos pertenecientes al libro de Job que me llevan a entender perfectamente porque esta película rusa se titula con el nombre de esta criatura:

"¿Sacarás tú al leviatán con anzuelo,
O con cuerda que le eches en su lengua?
¿Pondrás tú soga en sus narices,
Y horadarás con garfio su quijada?"

Porque al final la película va de esto.

"Leviathan" nos cuenta la tragedia que vive un hombre pequeño llamado Kolia. Tragedia que tiene que ver con encontrarse en medio del objeto del deseo del alcalde de su localidad, encarnación máxima de un poder autocrático, desconsiderado y absoluto, todo un leviatán.

Este alcalde quiere su casa y está dispuesto a cualquier cosa para conseguirla.

Y precisamente la tragedia surge cuando Kolia intenta controlar a ese monstruo con la ayuda de un amigo abogado procedente de Moscú.

Como bien dice el libro de Job, Kolia intenta poner una soga en sus narices y horadar con garfio su quijada. Se enfrente a él, buscando someterlo a la ley.

"Leviathan" nos cuenta ese esfuerzo por someter al alcalde y las consecuencias que esto tiene para Kolia y su familia.

Se trata de una película bastante interesante, seguramente un poco larga (quizá le sobran veinte minutos) y también un poco disgresora en el sentido de que se pierde un poco en el detalle costumbrista de la vida diaria de los personajes, aspecto que hace que el espectador se despiste un poco con las tribulaciones familiares de Kolia y se distancie con respecto al desarrollo troncal de la narración con lo que la historia pierde concentración y fuerza de cara a su desenlace final.

"Leviathan" insiste demasiado en mostrar la compleja situación personal y familiar de Kolia. Algo que el espectador a la hora de película a ciencia cierta sabe y quizá la eliminación de esos veinte minutos de insistencia habrían dado mayor solidez, contundencia y densidad a la historia.

No obstante, y como digo, se trata de una película más que interesante.

Pese a su localismo en la autocrática Rusia de Putin, "Leviathan" ofrece un mensaje universal porque presenta la tragedia del individuo frente al poder en nuestras sociedades.

Y la tragedia está en la inmensa distancia que separa al legalista discurso de derechos y deberes con la realidad del peso que tiene ese discurso cuando hay un interés de por medio.

Parafraseando al escritor Paul Bowles, la ley es el azul cielo protector que esconde a nuestra mirada la gran oscuridad de los intereses creados. La ley hace posible un ámbito de tranquilidad y orden sobre el que construir una vida pero de nada sirve cuando hay un interés por medio.

Y precisamente esa es la tragedia de Kolia.

Está en medio de un vector de interés.

Se interpone entre un deseo y su objeto. Es más y peor, lo posee.

Su suerte está echada.

El interés es mucho más poderoso que la ley y esto es así en la Rusia de Putin, en los Estados Unidos de Obama o en la España de Rajoy.

El cielo protector desaparece y el oscuro abismo que todo ese tiempo ha estado mirándole terminará devorándole.

I origins

No termina de convencerme "I origins" aunque reconozco que su planteamiento es más que interesante.

"I Origins" nos cuenta la historia de un científico, el doctor Ian Gray, a quién la investigación científica le llevará al encuentro con lo místico e inefable.

Este planteamiento tiene una base real.

Los avances en la física cuántica sitúan a muchos científicos en la frontera que separa lo que se puede contar (en todos los sentidos de la palabra) de aquello que no se puede contar, seguramente sentir y experimentar de una manera mística como intuiciones de totalidad.

Un buen ejemplo es el norteamericano David Bohm a quién sus investigaciones en física cuántica le llevaron a sentarse con el hindú Krishnamurti, pero hay más.

Sobre este planteamiento, el director Mike Cahill despliega una historia que no termina de interesarme demasiado, por demasiado obvia y previsible, pero que tiene algún momento muy bueno. Especialmente, el modo en que Gray encuentra la pista que le llevará a encontrar a la mujer de la que se ha enamorado.

Puro azar y jungiana sincronicidad magníficamente contado en una brillante sucesión de planos en el que los ojos de la mujer son el único punto de enlace.

Esta parte está muy bien, pero apenas son unos minutos dentro de un conjunto narrativo, como digo, bastante previsible en el que los ojos se presentan como una especie de documento espiritual de indentidad (DEI) del alma.

En los ojos hay una mirada que inexplicablemente recuerda cosas que en teoría están mucho más allá de esa mirada.

Buena idea, aunque no demasiado bien desarrollada.

No me voy a poner demasiado estupendo, pero como obra de ciencia ficción metafísica "I Origins" está demasiado lejos de grandes obras como "Solaris" de Andrei Tarkovski o "2001, una odisea del espacio".

En cualquier caso, una propuesta mucho más estimulante que cualquier programa de Tele 5.

Aceptable.

“Este proceso de penetración de las relaciones capitalistas de producción, iniciado a comienzos de siglo e incrementado a partir de los años cuarenta, va a transformar a la sociedad en un vasto mercado en el que se crean sin cesar nuevas «necesidades» y en el que más y más productos del trabajo humano son transformados en mercancías. Esta «mercantilización» de la vida social destruye relaciones sociales anteriores, que reemplaza por relaciones mercantiles a través de las cuales la lógica de la acumulación capitalista penetra en esferas cada vez más numerosas. Hoy no es solamente en tanto que vendedor de su fuerza de trabajo que el individuo está subordinado al capital, sino también en cuanto está inscrito en otras múltiples relaciones sociales: la cultura, el tiempo libre, la enfermedad, la educación, el sexo e incluso la muerte. No hay prácticamente ningún dominio de la vida individual y colectiva que escape a las relaciones capitalistas.”

Mr. Holmes

Las películas con niño son peligrosas.

La tendencia a caer en la ñoñería o en la sensiblería se multiplica con la presencia infantil que convertida en fuente de pureza, y de verdad, sirve para contrastar posiciones adultas y ponerlas en su relativo lugar.

Y "Mr. Holmes" es una película con niño.

Nos presenta a un nonagenario y al borde de la senilidad Sherlock Holmes viendoselas para poner punto final a sus aventuras literarias. Para ello se las desea para recordar su último caso, el que según esta historia le retiró para siempre, pero los achaques de la edad se lo impiden.

Como no puede ser de otra forma habiendo niños por medio, la ayuda del hijo del ama de llaves será fundamental.

"Mr. Holmes" tiene puntos interesantes pero tiene un inicio torpe, dando excesivo peso a líneas narrativas como la ilustración del viaje a Japón, que resultan anecdóticas dentro del general curso de la historia. Por en medio, conforme Holmes recuerda, se pone interesante, pero, al final, no puede evitar caer en la sensiblería, la pornografía de las emociones, con un final que quiere ser catárquico y se queda a medio camino de todo y con todos los protagonistas siendo felices y comiendo perdices.

No obstante, lo mejor de "Mr. Holmes" es el sobrecogedor y tremendo retrato de una vejez sin esperanza que Iac McKellen compone con su magnífico talento como actor.

Para mi gusto, su interpretación está por encima de la historia y, aunque evidentemente basada en lo que propone el argumento, McKellen presenta una línea narrativa autosuficiente y sustancial que muestra los últimos días de Holmes como una desgarradora experiencia inconsolable de pérdida.

Da miedo envejecer viendo al Holmes de McKellen.

Así, "Mr. Holmes" transpira pequeñas gotas de venenoso desasosiego que poco a poco van envenenando la mirada del espectador, un desasosiego que el siempre conveniente y necesario final feliz no logra disipar en absoluto.

Con "Mr. Holmes", su director, Bill Condon, regresa a la inquietante línea que inauguró "Dioses y Monstruos", su primera película.

Lo dicho: inquietante.

Las vacaciones de Carmena

No me preocupa tanto lo que escriba cierta prensa o digan los políticos sobre las vacaciones de la alcaldesa de Madrid.
Ya no espero nada ni de la prensa ni de los políticos.
Lo que me preocupa es el hecho incontrovertible de que sus argumentos imposibles, que no resisten el menor esfuerzo de pensamiento, calen entre la gente y una tarde tenga que compartir un café con alguna recién lavada y bien vestida bestia que haya hechos suyos semejantes planteamientos.
Me preocupa la alarmante falta de criterio, una alarmante falta de criterio que empieza a convertir a las personas en terminales mediáticas y que transforma el pensamiento en el mero recuerdo memorístico de consignas.
Y este es un mecanismo de control social eminentemente totalitario que sólo es posible cuando las personas por incapacidad renuncian a los inconvenientes de la individualidad, uno de los cuales con toda seguridad es no comprender y discrepar.
Vivimos en una realidad mucho más totalitaria de lo que parece y cada vez lo es más.

Beau Geste

Es una pena que William A. Wellman se quedara fuera de la lista de directores de cine clásico que los críticos y directores de cine de la Nouvelle Vague francesa reivindicaron como maestros.

Los méritos de Wellman no le dejan demasiado lejos de esa santísima trinidad cinematográfica que formaron John Ford, Howard Hawks y Raoul Walsh. Y seguramente que Wellman habría merecido estar orque, en mi conocimiento de su obra, es de esos artesanos de la época de los estudios que no tiene una película mala.

Desde la muda "Wings" hasta las últimas "Escrito en el cielo" o "El infierno blanco" pasando por "Ha nacido una estrella", "Cielo Amarillo" o la inolvidable y tremenda "Fuego en la nieve", Wellman ofrece una trayectoria de trabajos potentes, casi siempre inclasificables pese a su general adscripción a un género.

No en vano John Wayne, que sabía mucho de trabajar con grandes directores, le eligió para dirigir las más importantes películas de su productora en la década de los cincuentas del siglo pasado.

Filmada en 1939, "Beau Geste" es un clásico del cine de aventuras, pero es mucho más. También es un clásico del cine de misterio porque pocas películas empiezan como comienza "Beau Geste".

Un destacamento de la legión extranjera francesa acude demasiado tarde a socorrer uno de sus puestos avanzados. Lo que encuentran es un fuerte fantasma, lleno de cadáveres y desde el que, sin embargo, alguien les dispara.

Sobre este comienzo en el que el espectador sabe lo mismo que el oficial que encabeza el destacamento, se construye toda la película que no es más que el camino que el espectador sigue para comprender el misterioso secreto que esconde el fuerte y uno de sus soldados cuyo nombre da titulo a la película.

"Beau Geste" es una tremenda y fascinante muñeca rusa que esconde una serie de tramas que se alimentan unas a otras. Es un relato de aventuras y una historia de misterio, también un relato de heroísmo y caballerosidad en el que el honor de toda una familia está en juego y, a más a más, una historia de sacrificio y redención.

"Beau Geste" plantea un misterio al inicio y ofrece una solución que no decepciona al espectador que ha tenido tiempo de imaginar cualquier cosa; una solución en la que está implicado el terrible, sanguinario y amoral sargento Markoff, un personaje inolvidable de la historia del cine a quién dio vida ese gran actor secundario llamado Brian Donlevy.

La calidad de "Beau Geste" no es mensurable porque su valor, como cualquier gran clásico, entronca con lo sentimental.

Imprescindible.

A most violent year

Antes de que el tema de la deuda se internacionalizara, vivió poderosos episodios de destrucción social dentro de los Estados Unidos.

En la década de los setentas del siglo pasado, la ciudad de Nueva York rozó la bancarrota el año 1975 y la rozó como consecuencia de un presupuesto desequilibrado, muy en la línea de los presupuestos keynesianos para la administración de lo público que vinieron sucediéndose en occidente desde la segunda guerra mundial.

La crisis del petróleo de 1973 junto con alguna mala decisión en la gestión de los dineros de la ciudad generó una situación extrema que requirió el apoyo del gobierno federal. Fue entonces cuando el entonces presidente Ford dijo aquello de "Ford to City: Drop dead".

Y el resultado fueron una serie de recortes brutales que afectaron a la gestión del día a día de la ciudad: policias, barrenderos, bomberos... Fue entonces cuando apareció esa ciudad terrible, casi fantasma, llena de edificios en ruina y abandonados, con altisimas tasas de criminalidad... La ciudad que filmó Scorsese en "Taxi Driver" y que en algunos lugares, con sus solares y edificios en semiruina, o directamente en ruina. recordaba a una ciudad europea bombardeada en la guerra mundial.

Finalmente, todo ese proceso de ajuste presupuestario se produce en 1981, precisamente el año donde se sitúa esta interesantisima "A most violent year". Una historia que precisamente nos cuenta los problemas que tiene un hombre fuerte, que quiere hacer las cosas honradamente y por derecho, en el caliente caldo de violencia y corrupción en que se convirtió la ciudad de Nueva York.

"A most violent year" no es una película amable y simpática.

Toda ella transparenta una intensa dureza que es la implacable atmósfera donde un hombre honrado, Abel Morales, intenta luchar por su supervivencia.

"A most violent year" sucede en la ciudad donde sucedían historias como "Fort Apache, The Bronx", "Taxi Driver" o, no nos pongamos estupendos, cualquiera de los exploits de vengadores justicieros que en su momento protagonizara Charles Bronson.

Pero sobre todo, "A most violent year" es una de esas películas que, aunque están rodadas en color, su alma es en blanco y negro.  Un alma que recuerda a aquellas últimas películas americanas de Fritz Lang o de Jules Dassin que nos hablan de la ciudad como una maquinaria devoradora de hombres a la que los vencedores de la lucha diaria deben presentar el correspondiente sacrificio humano cada mañana.

Un mundo difícil y cruel donde Abel Morales se convierte en justiciero de su propia causa de moralidad, una causa que poco a poco va revelándose como imposible y desesperada.

En este sentido, nos presenta el drama natural de la lucha por la supervivencia representado en lo que entonces era la capital del mundo, seguramente la más grande y peligrosa jungla de asfalto que el hombre había conseguido construir.

Entre la tensa seriedad de "El Padrino" y los enloquecidos estallidos de violencia del primer Scorsese. "A most violent year" se presenta como una película llena de personalidad y de interés que consigue elevarse a la categoría desde a anécdota que narra para mostrar la pesadilla para todos que está siendo el nuevo mundo neoliberal que ya por entonces estaba cimentando la total victoria que ahora disfruta.

No en vano 1981 es también el primer año de la era Reagan.

Oscar Isaac está eminente dando vida al atribulado Abel Morales.

Magnífica.

Tsipras y la responsabilidad

El interés deshonesto lo trastoca todo.

Por definición, el pensamiento de izquierda siempre ha tenido un carácter transformador de la realidad. Una realidad que hay que transformar porque es injusta y desigual.

De ahí viene esa superioridad moral que la derecha detesta tanto de la izquierda: mientras la derecha, por interés, se pone pragmáticamente del lado de una realidad hecha a imagen y semejanza de su concepción del mundo, la izquierda se pone del lado de su plan transformador, de sus ideas para un mundo mejor.

Por eso, nunca ha habido, hasta ahora y por interés, en la política un único sentido de la responsabilidad.

La responsabilidad de la derecha siempre ha sido con la realidad mientras la responsabilidad de la izquierda siempre ha estado del lado de sus ideas.

La una es pragmática y la otra es idealista.

Forma parte del ADN de las dos maneras de sentir y pensar las cosas.

Por eso, la responsabilidad de un hombre que se dice de izquierda nunca puede ser para con la realidad y mucho más si su discurso se construye sobre la base de la condena de una sociedad desigual.

Ser responsable para con la realidad, convertirse en pragmático es aceptar la lógica de la realidad misma y por lo tanto perpetuarla.

Y en el caso de Tsipras es volverse un político más que quiere estar en misa y repicar al mismo tiempo. Querer seguir siendo de izquierdas y al mismo tiempo legitimar desde la implícita aceptación que el sentimiento de responsabilidad supone esa realidad que tanto daño hace a los que le votan.

No hay otro camino para la izquierda que la responsabilidad respecto con las propias ideas.

La realidad social y política es obra del hombre. Su naturaleza no es tan inmutable como la naturaleza de la ley natural.

Lo que es irrevocable lo es desde un argumento de poder.

Y a un poder sólo hay que anteponerle un poder más poderoso. Sólo mientras esto no sucede el poder puede permitirse confundirse con una realidad natural, que es lo que ahora está sucediendo.

Y si algo demuestra todo esto es la total derrota de una izquierda que para empezar no sabe lo derrotada que ya está y que se empeña, desde la política, en utilizar unas armas que ya se han mostrado hasta la saciedad ineficaces y que reproducen la misma derrota una y otra vez.

Pura neurosis narcisista.

Confundiendo la verdad con el consumo compulsivo de su propio reflejo.

Como ese caballero negro de la vieja película de los Monty Python que sin brazos ni piernas todavía quiere pelear.

Mientras todo siga así, las cosas van bien.

Los que mandan saben dos cosas que les hacen ganadores: la primera es que aun no sabemos que hemos perdido y  la segunda es que, por eso mismo, y para derrotarnos solo tienen que cerrarnos un mes los cajeros.

Y lo peor de todo es que, aunque creamos que sí, aun estamos muy lejos de tener un sistema de ideas que podamos oponer a la sociedad de consumo con eficacia y eficiencia.

Por eso es inviable cambiar el sistema por dentro, desde la política.

Ir a ese guerra sin la protectora armazón de un sistema de pensamiento es como ir a la guerra con una cucharilla de café y lo más probable que el que quiere cambiar la sociedad desde dentro acabe transformado por esa manera de pensar que quiere cambiar y se le aparece con apariencia de ley natural e inmutable.

Tsipras es el último narciso que acaba ahogado en el estanque persiguiendo la belleza de su propio reflejo,

The man from U.N.C.L.E

Empieza muy bien "The man fron U.N.C.L.E" y lo hace con una de las canciones más groovy de ese estupendo disco de Roberta Flack llamado "First Cut" publicado en 1969, su primer disco.

No necesito más para estar más que interesado.

La película ya me está lanzando un guiño sexy desde el otro lado de la barra que no puedo rechazar.

Y lo demás sucede por sí solo y eso que sucede es el aquilatado talento de Guy Ritchie para contar historias de una manera diferente, visual y elegante.

"The man fron U.N.C.L.E" funciona muy bien y lo hace porque el talento de Ritchie para narra a su estupenda manera tiene terreno para desarrollarse y ese terreno se lo da un estupendo guión que por encima de todo está magníficamente escrito.

Porque da gusto escuchar todo lo que los diferentes personajes se dicen a los otros con una inteligente y elegante ironía muy sexy.

Uno ya sabe lo que va a pasar.

Después de todo, "The man from U,N.C.L.E" es el nuevo intento de la industria por generar una franquicia, una nueva marca que permita producir el mayor número de productos bajo su seno, pero eso es lo de menos.

Lo importante es el camino.

Y seguramente este es el principal acierto de Ritchie: el estilo.

Un estilo tan elegante como un sólo de piano de Dave Brubeck o como la propia voz de Roberta Flack que inicia la película puntuando de manera clara la clase de rollo que "The man from U.N.C.L.E." ofrece.

Por debajo de una historia de buenos y malos funciona una sofisticada comedia en la que abundan las réplicas inteligentes y afiladas junto a momentos llenos de humor que extraen su energía del contraste dandy entre la más cruda violencia y el más elegante distanciamiento de quienes la ejercen de manera profesional, sin motivos personales.

Basada en una homónima serie de televisión emitida entre 1964 y 1968 y que tuvo el olfato de encarnar en la industria del ocio el periodo de distensión de la Guerra Fría que precisamente empezó en 1964 tras la caída del sanguíneo y colérico Nikita Kruschev y el nombramiento de una troika de la que posteriormente terminaría por emerger el liderazgo de Leonidas Breznev en el gobierno del PCUS soviético.

Aunque el personaje de Napoleon Solo (Robert Vaughn) tenía su punto, el verdadero éxito se lo llevó el más rudo Ilya Kuriakin (David McCallum), un agente soviético que todas las semanas entraba en los hogares norteamericanos para hacer equipo con el cínico e individualista Solo.

Todo un éxito.

Serie histórica y mítica en cuyos orígenes cuenta la leyenda que estuvo implicado en propio creador de James Bond, Ian Fleming y que Ritchie retoma con talento y gracia.

Todo un acierto.

The Congress

Directamente y por ganado a pulso derecho "The Congress" entra en el nada selecto grupo de películas que parten de una buena idea que no termina de ser bien desarrollada.

Hay muchos interesantes guiños de sentido: la virtualización como forma de control social, la relación de los actores con la digitalización, qué diablos ha hecho Robin Wright con su carrera... Supongo que bastante de ellas proceden de la novela del polaco Stanislaw Lem en que se basa, una novela que ya adelanto no ne leído, pero lo cierto es que "The Congress" no termina de funcionar.

Su principal lastre para mi gusto es la parte de la animación cuya presencia está exagerada, resulta demasiado larga aportando una y otra vez la misma idea de mundo alternativo que posibilita a las personas la fantasía de realizarse como sueño.

Precisamente, a ese congreso que da titulo a la película le sobran diez o quince minutos, un lapso de tiempo que se basta para engordar y hacer demasiado pesada a la historia, despistando al espectador en una serie de sucesivos guiños visuales que le apartan de lo esencial de la historia que no es otra cosa que la contraposición entre el mundo real y el fantásico.

Grave error.

Además, no creo que estén demasiado bien ensambladas la parte que sin duda tiene que proceder de la novela de Lem con la parte de cosecha propia que tiene que ver con las andanzas de Wright desposeída de sí misma y de su yo digital.

Hay un momento en que la historia salta de una a otra y lo hace sin más, porque sí y sin duda los guionistas se lo merecen.

Las peripecias de Wright, sus conflictos con su personaje digital, dejan de importar y de pronto el espectador se encuentra en una distopía en que lo virtual se ha convertido en una válvula de escape, de control social.

Las sensaciones que me producen "The Congress" no son demasiado buenas: excesiva e innecesaria complejidad, desequilibrio, desestructuración y, sí, una cierta pesadez como consecuencia de una incontinente repetición de lo mismo.

Y no deja de tener gracia que "The Congress" sea otra mala elección de la real Robin Wright siendo este el argumento que en la película se utiliza para convencer a un personaje que se llama Robin Wright y que interpreta Robin Wright para que ceda sus derechos digitales.

Las malas elecciones de proyectos cinematográficos en lo real y en lo virtual se confunden para Robin Wright.

Mucho ruido y pocas nueces ofrece "The Congress".

Mision Imposible: Nación secreta

No sé si es posible decir que una nueva edición del producto Misión Imposible es mejor que otra. A mi entender, sería como malgastar el tiempo en pensar si una Pepsi es mejor que otra.

 Es puro desenfoque.

Los productos no tienen que ser mejores ni peores, tienen que parecerse entre sí.

Supongo que esa idea de la excelencia es una nostalgia de lo cultural con lo que cada vez tiene menos que ver ese eterno retorno de lo mismo en que se ha convertido el ocio en nuestras sociedades.

Luego están los matices.

Si el paladar es capaz de detectar si esta Pepsi tiene más o menos gas o azúcar que la anterior.

En cualquier caso, esta nueva entrega de la franquicia ofrece lo que uno imagina que va a consumir cuando lo compra: acción trepidante, secuencias arriesgadas y espectaculares en muy diferentes lugares del mundo, tecnología curiosa, coches y motos espectaculares y una misión a la altura del talento para hacer posible lo imposible del equipo que la protagoniza.

No recuerdo las ediciones anteriores para comparar... ni pienso verlas para formarme un juicio sobre algo tan vacuo y anecdótico.

Imagino que será suficiente decir que el producto está a la altura de las expectativas y que además ofrece algunos interesantes puntos de atracción.

La secuencia de la persecución por las carreteras de Marruecos introduce la interesante novedad de una serie de acojonantes planos subjetivos que la hacen aún más impactante... No quiero imaginar cómo será verla en 3D.

Y por otro lado, hay un par de personajes tratados con el suficiente cariño como para resultar interesantes.

Tanto el despiadado asesino Salomon Lane (Sean Harris) como la nada fiable Ilsa Faust (Rebeca Ferguson) ofrecen algo más que la mera fachada, especialmente el personaje de Iilsa, una suerte de agente doble que debe añadir a las habituales complejidades que genera su posición una capa más de complejidad como consecuencia de la atracción que sobre ella inevitablemente, ya que se trata de "la chica", ejerce el personaje de Ethan Hunt.

Tanto ella como Salomon Lane, el malo de la historia, al que el estupendo Sean Harris da vida con una sobrecogedora frialdad entre administrativa y psiquiátrica, ofrecen puntos de atracción a los que la mirada y la atención del espectador puede agarrarse si es que gusta fijarse en los detalles en lugar de quedarse colgado de las luces, sonidos y colores que van y vienen sobre la pantalla mientras pone el cerebro en "stand by"

¿Podemos decir que esta quinta edición de las aventuras imposibles de Ethan Hunt es mejor o peor que las anteriores?

Quizá sí, pero me da pereza.

No creo que merezca tanto la pena.

Sí creo que se puede decir que es una buena copia de ese original que no está en ninguna parte. Y eso, no nos equivoquemos, también tiene su mérito.

Explicaciones

Ha sido una experiencia fascinante, casi religiosa, escuchar al ministerio del interior del reino de españa, todo con minúsculas explicar la presencia del acusado rato, también con minúsculas, en su despacho.

Apenas una historia más propia de un adolescente de 16 años para excusar ante sus padres el retraso nocturno con respecto a la hora de llegada acordada.

Poco más.

Increíble y desesperada.

Un hombre como Rato que ha vivido en las altas esferas de la política nacional e internacional preocupado de repente por 400 twits.

Seguro que Rato ha tenido días peores en las redes sociales, pero eso no cuenta.

Lo importante es cumplir.

Comparecer diciendo cualquier cosa para luego poder decir que ya se ha comparecido.

La forma frente al fondo.

El ministro podría haber eructado de manera ininterrumpida durante 45 minutos y para algunos el ministro habría cumplido.

Bueno... No hay demasiada diferencia entre estas inanes explicaciones y eructar.

La política cada vez más cerca de la mierda.

Y no sé por qué se quejan.

Que dejen paso a los profesionales de la mierda, que dejen paso a tipos como Trump.

Inside out

En un nuevo alarde de creatividad, cosa nada extraordinaria en las historias de la factoría de animación Pixar, nos llega "Inside Out".

"Inside Out" nos cuenta lo que sucede dentro de la cabeza de una niña, Riley, cuando debe afrontar el primer acontecimiento traumático dentro de su recién estrenada vida: una mudanza con el consiguiente y completo cambio de vida.

Esta situación supondrá un desafío para su centro de mando mental, ocupado las emociones: alegría, tristeza, miedo, asco e ira.

En absoluto puede decirse que la película no sea curiosa e imaginativa.

Cinco voces componen y configuran la conducta de una Riley en cuya vida, y hasta el momento, la alegría ha llevado una voz predominante, una alegría a la que encuentro demasiado controladora y manipuladora para mi gusto.

Y la película me ha gustado más por lo que me ha hecho pensar que por sí misma, lo cual no es nada habitual en una manifestación de ocio que precisamente está hecha para lo contrario.

Además de ese carácter manipulador y controlador de la alegría, otras dos cosas me han llamado poderosamente la atención de esta nueva película de Pixar: por un lado, el poco peso que se le da al pensamiento en la configuración de la conducta y por otro, la visión constructiva que se presenta de la tristeza.

Para empezar es curioso la poca presencia que tiene el pensamiento, como vehículo de lo racional, tiene en ese centro de mando.

Algo tan importante como el pensamiento tiene un rango secundario, casi de herramienta que las emociones utilizan para conseguir sus propósitos. Y resulta interesante esta visión en que las emociones gobiernan por tender a producir un modelo de conducta pulsional, de satisfaccion inmediata porque si hay algo que las emociones no pueden hacer es controlarse. Para eso está lo racional, el pensamiento que nos dice que seguramente lo mejor es esperar o renunciar, que nos plantea dilemas sobre la responsabilidad y el efecto que nuestra conducta puede tener sobre terceros.

Todo este tipo de conductas son las que hacen posible la complejidad de lo social y sin embargo quedan fuera de relevancia en la visión de "Inside out" que no es otra que el soporte ideal para la jusitificación del comportamiento del consumidor ocupado y preocupado en la satisfacción inmediata del menor de los deseos.

No hay en "Inside Out" un espacio para la verdadera preocupación por los demás sino por uno mismo, lo cual resulta un adoctrinador discurso legitimador del mundo de individuos separados los unos de los otros en que vivimos.

Por otro lado, el personaje clave en la resolución del conflicto de Riley es la tristeza.

Aunque la alegría es el personaje conductor de la historia, quien pretende mantener un orden establecido basado en su hegemonía, el giro definitivo se produce cuando aquella comprende que la tristeza, a la que en un principio considera un molesto estorbo, tiene un papel constructivo y definitivo que jugar en la resolución del conflicto.

Y, de hecho, lo resuelve.

En este sentido, y frente a un planteamiento en el que la tristeza es algo a evitar, "Inside Out" nos presenta una visión constructiva de la tristeza que me produce sentimientos ambivalentes.

Por un lado, encuentro tremendamente positiva una visión tan constructiva de algo tan inevitable como la tristeza en el mundo en que vivimos. Sería fantástico que se hiciese lo mismo con el fracaso.

Por otro, me resulta muy sintomática esta visión reivindicadora de la tristeza como parte de un discurso ideológico legitimador de un presente y de una sociedad cuyas terminales mediáticas empiezan a reconocer que este mundo quizá ya no pueda hacernos felices  como pensamos.

Si esto es así puede que todo sea mucho más complejo de lo que parece y la felicidad, la alegría, por sí misma sea algo a matizar cuidadosamente.

La tristeza bien puede empezar siendo admirable y "cool" frente a una alegría que no siempre es demasiado realista.

En definitiva, "Inside Out" es una película interesante... si te apetece leer entre imágenes.

St. Vincent

No sé qué diablos pinta Bill Murray en un horror como "St. Vincent".

Imagino que tendrá muchas facturas que pagar porque, de lo contrario, no entiendo qué pinta un tipo como Murray en una película que más parece un episodio de aquella serie televisiva que protagonizara Michael Landon llamada "Autopista hacia el cielo".

"St. Vincent" es un buen ejemplo de un tipo de películas que detesto.

Abusando de eso que se llama "buenos sentimientos" hasta la sobredosis, utiliza el personaje de un niño para reivindicar la figura del personaje que protagoniza Bill Murray quién pasa de ser un misantropo y borrachín patito feo a heroico cisne de la vida por obra y gracia de ese estereotipo de pureza que se atribuye a la mirada infantil.

Y, por supuesto, al final quiere hacernos llorar.

Será la guinda que coronará este estragante pastel de azúcar llamado "St. Vincent" en el que, al final, "tó er mundo e guenísimo"

Un punto menos para Bill Murray.

(Naomi Watts está estupenda y hace creíble su imposible personaje de prostituta eslava)

Mr. Turner

Tengo que confesar que pertenezco a esa minoría que en absoluto está interesado en conocer a las personas que se encuentran detrás de los genios.

Al final, la naturaleza humana es siempre a misma y las personas cultas también tienen sus revistas de cotilleos y sus "salvame de luxes", "Mr. Turner" es un buen ejemplo.

Bajo la conseguida apariencia de una película culta, se esconde la más absoluta frivolidad.

A mi entender no hay ninguna diferencia en la evidente obsesión de "Mr Turner" en describir de manera minuciosa y sensacionalista la personalidad del genio, destacando por supuesto los aspectos más escabrosos de una personalidad que sin duda fue compleja y acentuando ese estereotipo de novelita romántica del artista encerrado en el laberinto de sus propias obsesiones... Como escribo, no hay en realidad ninguna diferencia entre este tratamiento de Turner, que tan decepcionantemente hace un tipo tan interesante como Mike Leigh, con el tratamiento que Jorge Javier Vazquez da a la vida de Belen Esteban.

Pero ninguna.

La diferencia sólo está en el ego del que mira.

Y lo que es más importante, la narración en ningún momento muestra una conexión entre esa personalidad y su obra, aspecto que justificaría contar la mayoría de las cosas que se cuentan.

En absoluto.

"Mr. Turner" ofrece al espectador el morbo de descubrir el monstruo que se esconde tras el genio envolviéndolo en el papel celofán de una magnífica recreación de época, en el que incluyo además el estupendo acabado de algunas imágenes que directamente recuerdan a algunos cuadros de Turner.

Y precisamente este es para mi el aspecto más bárbaro de una película que, aunque no lo parece, es bastante bárbara.

Porque es como si esos colores estuvieran ya allí y el bueno de Turner sólo hubiera tenido el talento de reproducirlos como si se tratase de un "ploter" humano, obviando la capacidad transformadora de la subjetividad del artista, aspecto que una película tan bárbara como ésta en absoluto se atreve a cubrir.

Y en esto le arrebata a Turner su principal valor como precedente de una diferente manera de pintar. Lo cual resulta curioso ya que en definitiva se trata de una película que gira alrededor de un pintor al que, por contra, caricaturiza y desnaturaliza.

Decepcionante.

Ant Man

Aunque en este asunto de los superhéroes siempre se trata de la misma historia, se agradece que en el caso de "Ant Man" se trate de una historia que verdaderamente se propone contar lo mismo de una manera diferente.

Decía el poeta Paul Valery que no había nada más profundo que la piel.

Y hay mucha piel, mucha superficialidad como no podía ser de otra forma en el relato que se nos cuenta en "Ant Man" porque en el fondo se nos cuenta la misma historia de buenos y malos pero lo cierto es que, desde la acumulación de elementos en la superficie de la narración, "Ant Man" se las arregla para parecer diferente y dar el pego.

Todo el tema de la pequeñez y de las hormigas resulta curioso, pero, para mi gusto, el principal punto diferencial es el humorístico desenfado con que se nos cuenta la historia.

En "Ant Man" hay sentido del humor, pero también un total ausencia de esa solemnidad y engolamiento que caracteriza a algunos super-héroes, aspecto que seguramente se ha exagerado en bastantes de sus sus correspondientes adaptaciones cinematográficas, como si eso que se llama grandes temas pudieran ser ventilados a través de los disfraces y los antifaces. Aunque, y por lo que a mi respecta, no termine de ver a Bruce Wayne/Batman dentro de una película de Bergman.

Este efecto está muy conseguido.

En el fondo "Ant Man" parece no tomarse demasiado en serio y el que escribe le agradece esa falta de pretensiones a la hora de contarme una historia que ya he escuchado cien veces.

Curiosa y entretenida.

Fury

Ya decía el filosofo presocrático Parménides que la guerra es el arte de destruir a los hombres.

"Fury", la nueva película de David Ayer, se dedica a mostrar esa destrucción, una destrucción que no sólo se produce por fuera, con la muerte física, sino también por dentro, mediante la reducción del ser humano a una suerte de animalidad que se manifiesta de manera transversal en la tripulación del blindado de la clase Sherman que da titulo a la película.

Porque el entramado narrativo esencial es el proceso de educación, nada sentimental, que el sargento Collier, interpretado por Brad Pitt, realiza de manera concienzuda sobre el soldado Ellison para situarle en la bestial onda de supervivencia que la situación que están viviendo requiere.

En este sentido, "Fury" despliega un importante componente sádico por el que Collier pisotea la inocencia del recién llegado Ellison buscando convertirle en la embrutecida máquina de matar que necesita para que todos los miembros de su tripulación cumplan con lo que se espera de ellos y así su tanque no sea vulnerable al enemigo.

"Fury" cuenta muy bien este paradójico proceso de educación en la barbarie por el que Ellison pasa a ser un miembro del grupo que lidera Collier y lo hace dentro de un contexto de película bélica, con todas las de la ley, de impecable factura cinematográfica que hace que una historia tan desapacible y desasosegante pueda ser vista con atención por parte del espectador en una tranquila tarde de verano.

"Fury" está muy bien rodada y contada por David Ayer... pero también escrita pues los cinco personajes que componen la tripulación del tanque tienen el suficiente peso, personalidad y entidad como para que la película traspase la mera superficialidad de una hazaña bélica y se convierta en algo más interesante, poderoso y emocional.

Y están estupendamente interpretados por un elenco de actores muy solvente.

Porque si por algo brilla "Fury" es por el hecho de mostrarnos a hombres convertidos en bestias que de cuando en cuando lamentan en lo que se ha convertido, la situación donde están. A este respecto, el proceso de educación que Collier aplica a Ellison parece tener un efecto demoledor sobre el primero quién parece llegar al límite de sus fuerzas proponiendo a su equipo una última resistencia frente a un enemigo superior que convertirá el final de la película en una bestial y violenta orgía de fuego y sangre.

Aparecen entonces el heroísmo y la épica.

Y es entonces cuando "Fury" multiplica su interés presentando un retrato del apolíneo y noble acto de heroísmo asentado firmemente sobre lo que de manera muy elocuente se presenta al espectador que nunca ha peleado una guerra ni por supuesto ha sido héroe como su realidad: la decisión altruista de un carácter forjado en la barbarie.

Ni banderas ni patrias, el hermano soldado que quedará abandonado a su suerte si la tripulación del tanque que lidera Collier no cumple con su tarea asignada.

Los cobardes siempre ponen por delante sus propios intereses a los de la colectividad.

Los valientes siempre acaban arreglandoselas para dominar al egoista animal que todos llevamos dentro, ese que quiere vivir a costa de que otros mueran.

Hay maneras y maneras de acabar siendo destruido por la guerra.

Está muy bien "Fury".

Sufragio Universal

Es curioso, pero hace 100 años, a principios del pasado siglo, fue el momento en que se extendió el sufragio universal por Europa.

De hecho, en España, no tenemos ni 100 años de historia puesto que el sufragio universal data de 1931 y forma parte de las aportaciones democráticas de la II República.

Pero, y por ejemplo, a Francia el sufragio universal llegó en 1944 y a Italia en 1945.

Por tanto no hace demasiado tiempo que todos podemos votar y el voto de cada ser humano vale lo mismo con independencia de su raza, sexo o condición.

La aparición de las masas en la política con un punto de vista diferente y la encarnación de ese punto de vista en una realidad como la Unión Soviética les habló en su mismo lenguaje a los poderosos.

Era necesario ceder.

Y lo era después de millones de personas lanzadas a la muerte en esa inmensa carnicería que fue la I Guerra Mundial. No en vano hay una gran oleada de países europeos que adoptan el sufragio universal después de ese conflicto.

Pero fundamentalmente era necesario ceder porque empezaba a existir otro mundo y, para preocupación de las élites, ese nuevo mundo estaba en este y lo estaba de una manera práctica, organizado y dispuesto a todo, tan dispuesto como para convertirse en un poder, en un actor de las relaciones intrnacionales.

De hecho, fue tan grande esa preocupación que las élites no sólo tuvieron que ceder, primero, en lo político sino también, más tarde, en lo económico.

Tras la II Guerra Mundial, y con la Unión Soviética sentada en igualdad de condiciones en la mesa de los vencedores, fue necesario dar algo más.

Fue necesario todo un trasvase de renta que daría lugar a la sociedad de consumo para generar un anclaje en las masas, un anclaje inteligente que básicamente les impedía verse como humillados y ofendidos sino como uno más dentro de una sociedad abierta y democrática.

Y a final va a tener gracia que los principales beneficiados de la existencia de la Unión Soviética hayan sido precisamente los trabajadores y clases populares del otro lado del telón de acero sostenidos en animación suspendida dentro de un sueño muy real de oportunidades y opulencia.

Porque asociadas al horror que realmente fueron, las repúblicas populares comunistas también representaron una alternativa real, la presencia de un punto de vista diferente del que las élites debían cuidarse.

En definitiva se trataba de una fisicidad que hablaba en el lenguaje de hechos que las élites entienden. Existía una alteridad convertida en un mecanismo de poder cuya influencia había que neutralizar y de la que preocuparse.

Sin su existencia las grandes mayorías jamás habrían tenido ni el sufragio universal ni la posibilidad de consumir.

De hecho, ahora que ya no existe ese poder todo ese complejo entramado de subordinación empieza a mostrar su verdadero rostro.

¿Para qué compartir si no tienen nada de lo que preocuparse?

Por eso quieren de vuelta toda esa renta y la quieren ya mediante el mecanismo extractor de la deuda que convierte la deuda privada en publica y subordina la riqueza acumulada de los estados a los intereses privados de quienes prestan.

Y seguramente también quieren desactivar el sufragio universal.

Subordinando la política a la economía, ya lo están haciendo.

No hay nada más que ver lo sucedido en Grecia, lo que importa la opinión de las masas frente a su opinión, que es la opinión del dinero.

Puesto que sólo se pueden hacer las cosas de una manera para qué asumir el riesgo de votar y que la gente vote incorrectamente.

Y lo cierto es que ya no podemos elegir en lo verdaderamente importante.

Solo podemos elegir dentro de lo anecdótico: si queremos que nos gobierne el rojo o el azul, si queremos comprar en Alcampo o Carrefour...

Todo lo demás no está sujeto a opinión.

La Unión Soviética fue un enorme fracaso, lo fue desde las ideas pero también si se la contempla desde los hechos. No obstante, y sin saberlo, a todos los humillados y ofendidos, nos iba la vida tal y como la conocíamos no sólo en su triunfo sino también en su mera presencia porque las élites solo entienden su propio lenguaje: el del dominio y la fuerza.

Y en este contexto la Unión Soviética estaba ahí, alzándose ante la historia, como la encarnación de un poder con el que nuestros amos tuvieron que transigir para poder salvar los muebles porque el Siglo XX empezó siendo muy jodido para ellos.

Ahora, que ya no existe, no necesitan transigir más y todavía lo necesitan menos en un entorno de crisis sistémica del capitalismo

Han necesitado 75 años aproximadamente para domesticarnos y reducirnos

Y ahora que ya no nos respetan se nos muestran tal y como son: implacables, codiciosos, inflexibles, despiadados, exhaustivos.

La derrota es total.

No te engañes.

Te digan lo que te digan ya no eres un poder.

No tienes nada que ellos valoren para poner sobre la mesa salvo palabras que se lleva el viento.

Y lo que es más importante: necesitas un lugar a dónde ir cuando te quedes sin trabajo y te cierren los cajeros.

Ese lugar ya no existe, pero existió hace tiempo y eramos todos nosotros conectados por un mismo sentimiento.

Empieza un largo periodo de ocupación en el que cada día deberás justificar tu existencia mediante tu eficiente contribución al funcionamiento del sistema.

La recompensa: poder vivir para justificarte el día siguiente.

Las lluvias de Ranchipur

Dirigida en 1955 por Jean Negulesco, "Las lluvias de Ranchipur" es una revisión de "Vinieron las lluvias", filmada en 1939 y basada en la inmensa novela río del mismo nombre escrita por Louis Bromfield.

Bromfield es un autor hoy olvidado, pero que en la primera mitad del siglo pasado fue uno de los escritores más valorados de su época.

Bromfield se escribía en una tradición norteamericana primigenia que era la jeffersoniana, tradición que concebía la república como una unión de granjeros libres y que por lo tanto ponía el énfasis en la tierra y en la importancia de los valores del pionero en lo que respecta a la conexión con el territorio y al disfrute de la riqueza que este proporciona.

Por supuesto, los jeffersonianos se oponían a todo lo urbano e industrial... O sea que, y teniendo en cuenta la deriva de los Estados Unidos, no puede decirse que tuviera demasiado recorrido. Sin embargo, el jeffersonismo se ha mantenido presente en el discurso ideal de las virtudes de lo americano.

En "Vinieron las lluvias" Bromfield contrapone precisamente dos estilos de vida. Por un lado, el de los nativos de Ranchipur, apegado a la tierra y a las tradiciones y por otro, el frívolo de la sociedad de occidentales que viven en la ciudad.

El problema vendrá cuando una rica heredera, Lady Edwina Esketh se enamore del Dr. Safti, un médico comprometido en ayudar a su pueblo. que Bromfield presenta como un hombre casi santo al que las tentaciones del amor romántico pueden apartarlo de cosas más alevadas, cosas que tienen que ver con la grandeza política y social de trabajar por su pueblo.

Y en este sentido, la reina del melodrama en color Lana Turner es la perfecta tentación para un Richard Burton, demasiado envarado y que parece no creerse demasiado su papel de hindú.

En "Las lluvias de Ranchipur" se contrapone el amor romántico a otras formas de amor más altruistas y que tienen que ver con el prójimo en general.

¿El individuo debe optar entre lo que desea él mismo o ponerse al servicio del colectivo cumpliendo el papel que éste espera de él?

Esta disyuntiva era muy común en la década de los años veintes y treintas del siglo pasado y refleja lo no demasiado alejada que estaban determinadas corrientes de opinión dentro de los Estados Unidos de planteamientos tan izquierdistas como los iniciales soviéticos,

El mundo era más de izquierdas hace casi 100 años.

La política no se dejaba gobernar por la economía tan fácilmente.

Pero, y volviendo a la película, el drama surge con la catástrofe de un terremoto y una posterior ruptura de una presa que prácticamente se lleva por delante todo Ranchipur.

El Dr. Safti deberá decidir y el melodrama estará servido en bandeja a una espléndida Lana Turner que como ninguna otra supo encarnar la maldición que las machistas sociedades patriarcales lanzan contra las mujeres que cometen el inmenso crimen de perseguir como los hombres el objeto de su deseo.

Pero además, "Las lluvias de Ranchipur" presentan una galería de personajes brillantes, bien construidos y que pronuncian diálogos potentes, que están a la altura de la imagen que proyectan: la sabia maharani, el cínico Ramsome, el tranquilo Lord Esketh.

Y todos esos personajes acabarán metidos en una coctelera que será Ranchipur agitado por la tierra y revuelto después por el agua.

Entretenida

“Lo que Mill decía parece absolutamente obvio, pero sólo lo fue después de que él lo dijera. No importaba que la acción natural de la sociedad deprimiera los salarios, que igualara los beneficios o elevara las rentas, ni ninguna otra cosa, fuera lo que fuese. Si a la sociedad no le gustaban los resultados naturales de sus actividades, le bastaba con cambiarlas. La sociedad podía imponer tasas o conceder subsidios, expropiar y redistribuir, podía donar toda su riqueza a un rey o montar una gigantesca obra de beneficencia; podía prestar la debida atención a los incentivos o –a su riesgo- ignorarlos. Pero, hiciera lo que hiciese, la distribución no era correcta, o al menos no era una distribución que la economía pudiese explicar. Para justificar de qué manera una sociedad compartía lo que producía no se apelaba a leyes, simplemente los hombres compartían su riqueza como consideraban adecuado.”

La teoría del todo

De cuando en cuando, el melodrama se combina con algún tipo de discapacidad para producir una historia llena de valores positivos en el que el actor o el actriz principal encuentra un personaje en el que poder desplegar todo su talento para conmover la mirada del espectador.

La película de este año es "La teoría del todo".

Lo diferencial que aporta esta nueva edición es que el protagonista es el astrofísico y cosmólogo Stephen Hawking quién padece una variante de la ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica) que poco a poco le ha ido dejándo paralizado.

La historia se base en el libro que escribió su ex-mujer sobre su vida con el eminente y popular científico. No lo he leído pero imagino que el punto de vista desde el que se narra la historia es el de Jane. Sin embargo, la película le da la palabra a Hawking, sin duda un personaje más atractivo para el gran público que lo que en un principio pueda ser su mujer Jane.

Y aunque al final el personaje de Jane resulta fascinante, la cobardía de no apostar por su punto de vista acaba cargando la historia de una cierta indefinición emocional, especialmente en lo que precisamente a Jane se refiere.

Desde luego, el espectador intuye lo dura que tiene que ser la vida de Jane al cuidado de sus hijos y de Hawking, pero no trabaja demasiado este aspecto resultando la evolución emocional del personaje un tanto inmotivada, basándose en una serie de saltos cuánticos en los que Jane pasa del abnegado amor, al enamorado cansancio hasta terminar en la duda y el desamor mientras el interés de la historia se centra en cómo Hawking intenta comer con cuchara.

Y es una pena porque la película opta por ser un mero producto diseñado para emocionar un ratito y careciendo de la ambición suficiente como para ser algo más: una disección quirúrgica sobre los límites del amor y/o el altruismo o un ensayo sobre el difícil equilibrio entre generosidad y egoísmo.

Todo queda difuso, como máximo superficialmente marcado mientras asistimos a lo que realmente interesa: al talentoso ejercicio de Eddie Redmayne para encarnar un personaje con la dificultad especialmente física que plantea Hawking. Y en este sentido, Redmayne está excepcional, pero su despliegue de talento oculta a un personaje mucho mejor, a Jane. Un personaje normal y corriente, que vive su amor por Hawking de una manera total y absoluta hasta que este se agota.

En este sentido, me interesa mucho más Jane que Hawking, pero la película apuesta por la atracción de feria, del prestidigitador talento del actor obviando como ya he comentado temas y ocasiones de mayor enjundia.

Es una lástima pero "La teoría del todo" no tiene demasiado interés en hablar de la gran mujer que hay detrás del gran hombre.

Y su historia personal intuyo que es maravillosa, aunque esta película le arrebate su propia historia para entregarsela a su ex-marido.

Por lo demás, estoy seguro de que estaremos de acuerdo en que todos hemos visto unas cuantas veces "La teoría del todo".

Rey Gitano

Tiene gracia.

Las reacciones que suscita la nueva película de Juanma Bajo Ulloa no son muy distintas de las que en el momento de su estreno suscitó la estupenda "Airbag" entre ele stablishment de la crítica.

"Airbag" fue una película de público y no de crítica, como es ésta "Rey Gitano" que, con mucho y de lejos, es mucho peor película que su predecesora pero que, y aún así, encierra importantes atractivos.

El fundamental es la posibilidad de ver a Elejalde y Manquiña juntos, esas dos fuerzas de la naturaleza que evidencian la existencia de eso que los fachas llaman el genio español, los perfectos y shakesperianos Rosencrantz y Guildenstern, la culminación de la picaresca como genero que hace de contrapunto popular a la expresión aristocrática de los géneros... en fin... soy fan total de los dos.

Si Elejalde y Manquiña me recitasen la guía telefónica iría a verla y si algo tiene "Rey Gitano" es terreno de sobra para que ambos actores desplieguen todo su talento, un talento enteramente berlanguiano que les conecta con grandes nombres de nuestro cine como Cassen, Saza o Landa.

Por ahí "Rey Gitano" me llega, pero me lo pone difícil empezando por una presencia de Arturo Valls que demuestra que no es suficiente funcionar en la televisión para hacerlo en el cine.

Valls es uno de los grandes errores de una película que, por su propia idiosincrasia, no puede cometer errores

Claramente, y con un actor de verdad, el personaje que intenta con voluntad interpretar Valls habría aportado el peso específico que actores como Guillen Cuervo o San Juan aportaban a "Airbag". Sin ellos y con Valls, "Rey  Gitano" parece mucho más tontería de lo que en realidad es.

Por otro lado, la historia es insustancial, apenas un soporte para que Manquiña y Elejalde puedan lucir en un espectáculo que exhibe de manera casi impúdica un afán iconoclasta, escatológico y blasfemo contra los dioses del establishment del 78, pero no mucho más irrelevante que la historia de "Airbag".

Ambas son meras excusas para que los personajes protagonistas se pongan en marcha y aparezca una "road movie" en lo importante es lo que va surgiendo en el camino; un camino a la caza por toda España de muestras genéticas de los miembros de la familia real.

Desde luego, y como escribo, "Rey Gitano" cuenta con todos los elementos para que, si uno quiere, pueda desmarcarse de ella y, lo que es más importante, de su loca propuesta sin demasiado atar. Así se puede quedar bien con el jefe, con el suegro, con el padre y el guardia civil de la rotonda que da acceso al adosado.

Porque lo fácil es decir que "Rey Gitano" es una mala película... aunque si uno la compara con "Rocco y sus hermanos" sin duda lo es.

El rollo de "Rey  Gitano" es otro.

Desigual y excesiva, "Rey Gitano" está repleta de guiños de mala leche dirigidos como un contenedor ardiendo contra esa España de billetes de quinientos euros, de casta religión y de succionadas cabezas de gamba que nos gobierna.

"Rey Gitano" genera un terreno para el esperpento, la payasada, la astracanada, la comedia bufa; un terreno en el que sus dos personajes protagonistas, que resumen de manera esperpentica a esas dos españas que nos hielan el corazón, se convierten en una suerte de personajes de comic que intentan salir adelante como buenamente pueden, igual que todos y cada uno de nosotros, en un territorio sin orden ni concierto, donde la chapuza es una forma de vida.

"Rey Gitano" es puro exploit, un exploit patrio que nos apunta directamente al bajo vientre, pero a la española, incluyendo a la política dentro del repertorio de lo escabroso que se nos muestra.

Y como una característica del exploit no es tan importante la estrategia de la trama como la sucesión de detalles tácticos en que al espectador se le muestra lo escabroso, aquello que no se suele ver porque el decoro impide mostrar.

Spainplotation!

Manquiña, Elejalde, León, Lomba...

Tiene gracia que nos guste la americana y sin embargo no nos guste la exploitation española.

Magnifica!

“La sociedad industrial atraviesa una crisis manifiesta, En este contexto, rara vez tenemos conciencia de que el origen de esta crisis reside en un mal ajuste funcional, es decir, en la incompatibilidad entre el sistema político y el sistema económico. La democracia y el capitalismo, tal como existen, no pueden funcionar el uno al lado del otro. El capitalismo está lejos, por sí mismo, de ser un sistema ideal. Aun así, los peligros más acuciantes ahora mismo proceden de la incompatibilidad entre una dirección capitalista en la esfera económica y una influencia cada vez más grande de la clase obrera en la arena política”.

The Shadow Line

Después de haber disfrutado con "The Honourable Woman" decidí buscar más cosas de Hugo Blick, su creador y me encontré con "The Shadow Line", producida para la BBC en 2011.

El asesinato de un traficante de drogas recién salido de la cárcel es el gatillo que dispara una compleja historia sobre corrupción policial que transcurre a ambos lados de esa línea de sombra que separara el bien del mal.

Aunque se trata de una historia con un reparto bastante coral, dos personajes centralizan la misma, uno a cada lado de esa línea.

Por un lado está el inspector Gabriel de la policía, que se acaba de incorporar a su trabajo tras un desafortunado incidente profesional que le ha dejado una bala en la cabeza y la total y completa amnesia sobre su pasado.

Por otro, Joseph Bede, un hombre de paja al servicio del traficante asesinado y cuya muerte le deja con la responsabilidad de un nuevo negocio entre las manos.

Ambos personajes tienen en común una cierta actitud altruista, el uno hacia el descubrimiento de la verdad, el otro hacia la culminación del negocio con vistas a retirarse a cuidar a su mujer enferma, que contrasta con un entorno corrupto y perverso, basado en el puro y completo interés, que es una selva en la que el hombre es un peligroso lobo para el hombre.

Poco a poco, el afán de estos dos personajes por saber y por terminar irá revelando una compleja telaraña de intereses creados que resulta transversal y une ambos lados que separa esa línea de la sombra desde el interés creado.

En este sentido, tanto "The Hhonourable Woman" como "The Shadow Line" se parecen.

Ambas condenan a sus altruistas y esperanzados protagonistas al descubrimiento de un límite que a sus buenas intenciones interpone toda una estructura corrupta de intereses creados que subyace como una transparente realidad paralela. Una realidad que sostiene la otra realidad, la de las buenas palabras y deseos, que necesita de ella y que sólo se manifiesta cuando aquella en su ceguera se interpone en su camino.

Y el espectador acompaña a sus protagonistas en un ominoso viaje que implica el terrible descubrimiento de cuán equivocados se encuentran aunque desde la moral y la teoría estén en lo cierto.

Un viaje que se revela trágico pues es imposible estar en los dos lados que esa línea de la sombra separa.

Su inocencia les conduce a pagar un carísimo y amargo precio.

Magnífica.

El quinto poder

El modo perfecto para abordar desde lo mainstream la figura de Assange es el que sigue "El quinto poder".

La película aborda el fenómeno wikileaks y la controvertida figura de su inspirador, Julian Assange, y lo hace desde la única perspectiva aceptable por el establishment y lo mainstream que no es otra que el libro que escribió uno de sus principales colaboradores, Daniel Berg.

La perspectiva, por supuesto crítica de Berg, permite hacer las dos cosas: contar la historia de wikileaks y presentar al mismo tiempo un contrapunto, una visión crítica desde el establishment sobre el impacto que esta web de filtraciones tuvo a nivel general.

Además, y desde la misma perspectiva de Berg, la película puede mostrar una visión nada hagiográfica, una visión de Assange extrema y enloquecida, convirtiéndole en una suerte de científico loco de la libertad de información incapaz de valorar las mil y un consecuencias negativas que la revelación de la verdad en que se basa su web acarrea a los probos funcionarios de los servicios de inteligencia de los Estados  Unidos y sus colaboradores.

Y en este punto, y como no podía ser de otra forma, la película toma claramente partido por la construcción de un relato a favor del orden establecido, resultando desasosegante y perversa.

Porque en "El quinto poder" hay tiempo para mostrar la vertiente humana de aquellos a quienes las revelaciones de Assange perjudican. Especificamente hay una linea narrativa sobrecargada de emocionalidad dedicada a mostrar los efectos que sobre las personas que trabajan en favor de los intereses de los Estados Unidos en el mundo, pero en absoluto, y aunque los vemos tiroteados a sangre fría como si se tratase de un telediario, hay espacio para mostrar las consecuencias que las defensa de los intereses de los Estados Unidos tienen sobre las personas.

El resultado de "El quinto poder" es la puesta por obra de un discurso que bien podría formar el portavoz de la Casa Blanca. Una visión de Wikileaks como desastrosa locura que ha hecho mucho daño a personas con nombre y apellidos obviando el daño que esas personas hacen a decenas de miles de otras que por supuesto, y ante la desgracia del hombre blanco, no cuentan.

La película no puede hacer otra cosa que pasar de puntillas sobre la razón principal que dio origen a Wikileaks: una llamada a la decencia a aquellos que implicados en tramas de indecencia aún tienen un momento para la cordura y la conciencia.

En definitiva, una inversión de la apología de la delación que el poder en el totalitarismo exige a sus comprometidos ciudadanos y que reivindica la delación precisamente contra el poder, desde sus alcantarillas.

Todo esto es presentado como el deseo de un hombre enloquecido que no ha hecho otra cosa que daño y que justifica su persecución y actual enclaustración en la embajada de Ecuador en Londres.

Y uno lo entiende, con la cantidad de vidas destrozadas de espías que Wikileaks ha debido producir,

Y por supuesto, nada del daño infringido, como si la necesidad de la delación no estuviese justificada contra un estado que no es otra cosa para nosotros que un padre benefactor.

Perversa.

El fracaso de la nueva izquierda

Si los partidos de la nueva izquierda no están dispuestos de verdad a salir del euro, su posición política no tiene sentido.

Los tiranos de la Union Europea ya saben que los políticos de la nueva izquierda van de farol, que no están dispuestos a romper la baraja poniendo por delante el mandato de la voluntad popular por encima de las circunstancias prácticas, un aspecto que ellos mismos tanto criticaban a los políticos de la vieja política.

El ridículo ha sido histórico.

Y lo peor es que la agenda la marca de Europa haciendo que los partidos de izquierda asuman un planteamiento esencial de la agenda negociadora de los conservadores: lo catastrófico que sería salir del euro.

Asumir éste argumento implica la imposibilidad de construir una posición negociadora fiable frente a Europa.

A partir de ahora no se qué sentido tiene cualquier posición que pueda mantener Podemos si después de desafiar a Bruselas van a acabar cediendo cuando Europa nos cierre los cajeros y nos amenace con salir del euro.

Para qué votarles si van a acabar quebrando la confianza de la troika y van a acabar firmando, como Tsipras, hasta que mataron a Manolete.

Mejor nos ahorramos disgustos y desilusiones.

No cabreamos a la bestia,

Ya sabemos cómo serán las negociaciones.

Se equivoca Podemos

Se equivoca Podemos con ese tema de no ser ni de derechas ni de izquierdas.

No porque no sea cierto. Es verdad que hay un arriba y un abajo, pero carecen de credibilidad cuando lo explican porque todos los que dicen que no importa ser de derechas o de izquierdas son inequívocamente de izquierdas,

En este sentido, el tema está mal manejado.

Podemos no resulta creíble y este asunto de la transversalidad se está volviendo en su contra por esa evidente obsesión por mantener la pureza de una camarilla de elegidos en su viaje hacia el poder.

No hay nadie entre los portavoces de Podemos que pueda negar o afirmar que es de derechas, para enseguida afirmar que eso ya no es lo importante.

Y no sólo Podemos se equivoca en la manera de gestionarlo, se equivoca también al anteponer en este tema su deseo a la realidad.

Esta transversalidad no es algo que se crea, sino algo que se da o no se da.

El político se convierte en un líder carismático que verbaliza esa respuesta que está en el viento de la que cantaba Dylan.

Pero esto en España no es así.

En el viento flotan tanto dudas como certezas.

La mayoría de los votantes de derechas se van a sus casas en lugar de echarse en brazos de Podemos porque saben que son de izquierdas. Pueden coincidir en el diagnóstico pero saben que no van a coincidir en las soluciones... a menos que sean ellos los que se vuelvan de izquierdas como  Iglesias y Monedero.

El país no va a tragar con esa rueda de molino, con esa premisa en la que Podemos basa su discurso político.

Y si quieren pruebas que piensen en la irrupción de Ciudadanos, la respuesta no revolucionaria sino posibilista y reformista que le ha cerrado el paso para su crecimiento por el centro.

Pero también se equivoca Podemos en su obsesión adolescente y vanidosa de ganar las próximas elecciones.

Si algo ha demostrado el bluff de Tsipras en sus negociaciones con Europa es que el verdadero poder ya no está en los gobiernos, que ganar unas elecciones no es conquistar un poder y que existe un poder, fascista y cruel, que sabe que puede contar siempre con el comodín del público, con apretar la garganta de todos y cada uno de los ciudadanos cuyo gobierno le desafíe.

Ganar unas elecciones con toda seguridad va a ser ganarse un pasaporte para el sufrimiento y sólo será posible superar ese tránsito si la ciudadanía sabe lo que se está jugando y lo que puede costarle. En otras palabras, es necesario una didactica, una lentitud en el paso que permita construir una comunidad basada en el convencimiento.

Porque los europeos somos demasiado pijos como para soportar lo que han soportado en Argentina o Ecuador desafiando al FMI.

Es mejor no ganar que hacerlo y acabar estallando en lo más alto como Tsipras, demostrando que sólo era un aventurero que, aun sabiendo que las consecuencias extremas de su política suponían la salida del Euro, nunca tuvo un plan B que considerase a Grecia fuera de la moneda única.

El resultado solo era este: el ridículo y la derrota segura.

Y eso que no tuvo tanta prisa como nuestros chicos de Podemos, que ya quieren hacer barraca en las primeras elecciones generales, presentandose con una cuchara de postre ante el afilado diente del capital y jugando con las escasas esperanzas que le restan a mucha gente.

Igual hay que ir poco a poco, desde los ayuntamientos. Predicando con el ejemplo. Convenciendo.

El daño moral que Tsipras ha hecho a su pueblo es incalculable bajándole bruscamente del NO al peor de los SIES y lanzandole despiadadamente contra un suelo cuya existencia el mismo negaba.

Ningún pacificador podría encontrar el capital para su causa en Grecia.

Yo no quiero lo mismo para mi pueblo.

Quiero gente responsable que no diga ahora cualquier cosa para salvar a Tsipras, que no se engañe con lo de la transversalidad, que vaya más allá del hecho de ganar unas elecciones.

Todo esto es mucho más serio, tan serio como la desesperanza que seguramente ahora sienta cualquier griego que celebró el triunfo del NO en la plaza Sintagma no hace mucho tiempo.

Oponerse a la bestia salvaje del capital neoliberal no es un juego de rol que compartes con tus compañeros de doctorado.

Igual hay que dejar de lado la vanidad y estar dispuesto a formar parte de una candidatura de unidad de la izquierda (y de quien quiera).

Igual hay que dejar de lado el aventurerismo y hacer discursos más sólidos en los que el concepto "ganar unas elecciones" no tenga presencia.

El gran problema de la izquierda siempre fue el ego y en eso los líderes de Podemos también demuestran ser de izquierdas.

No es la primera vez que lo escribo.

Se equivoca Podemos.

Se equivocan queriendo sólo para ellos la posición que con tanta astucia han alcanzado.

Tsipras, el traidor

Para hacer este viaje no eran necesarias tantas alforjas.

Para firmar el rescate más duro de la historia de los rescates no era necesario alcanzar el poder diciendo a su pueblo exactamente lo contrario.

Este fin de semana, la nueva política europea, la que dice estar del lado de la gente, se ha hecho el hara-kiri con el mundo entero como espectador.

Y lo peor no es que los políticos de la Unión Europea exhibieran su más que evidente ramalazo fascista, lo peor -seamos autocríticos- es la disolución como un azucarillo de un gobierno griego que siempre fue de farol, que nunca tuvo un plan B y si lo tuvo no ha tenido el valor de llevarlo a la práctica siguiendo la voluntad de todos aquellos que le han votado.

Una lástima y también un imperdonable crimen para todos aquellos que votaron NO en el referendum de hace una semana,

Tsipras ha dejado a los griegos sin esperanza.

Los acreedores van a despojarles de lo material, pero van a ser sus propios compatriotas quienes van a despojar a los griegos de lo espiritual.

Tsipras va a dejar Grecia como un solar.

En apenas una semana, Tsipras ha caído desde lo más alto hasta lo más bajo, hasta firmar el rescate más duro de la historia de los rescates griegos, un rescate que Grecia tampoco podrá pagar dado que, como el propio Tsipras argumentaba, la austeridad no funciona.

El salvador de Grecia ha sido su traidor firmando este rescate que con el tiempo se revelará catastrófico porque la austeridad por sí sola no es suficiente para generar la suficiente riqueza como para pagar la deuda.

Tsipras ha ido siempre de farol, sin trabajarse realmente un plan B, comportándose de acuerdo con ese estereotipo del griego embaucador que campa por los periódicos alemanes, comprometiendo a su pueblo en un referendum y tras obtener su respaldo abandonarlo.

Pero, y con todo, lo peor es que vivimos en un mundo tan loco que el comportamiento desviado se ha convertido en la base del sentido de común desde el que las personas juzgan y valoran las situaciones.

El sentido de la justicia y el respeto por las personas, lo humanistico, se ha convertido en una corriente minoritaria de opinión.

Ya decía el veterano Manolis Glezos que seria un desastre dejar desvanecer las esperanzas... pues bien, el desastre ha llegado.

Tsipras es un político más, un maldito oportunista sin alma. Pensando lo que parece que pensaba a tenor de su discurso, no es posible que pueda creer que este acuerdo sea bueno para Grecia.

Sólo puede pensar que es bueno para él.

Esta es la verdad.